Libero Andreotti

Libero Andreotti nasce a Pescia il 15 giugno 1875. Per tutto il periodo della fanciullezza lavora nell’officina di un fabbro, dopo i diciassette anni si sposta a Lucca dove stringe rapporti con il mecenate Alfredo Caselli e il poeta Giovanni Pascoli che lo iniziano al mondo dell’arte.

Grazie allo zio Ferruccio Orsi ottiene a Palermo un lavoro presso l’editore Sandron come illustratore del settimanale socialista «La Battaglia». Tuttavia nel 1899, deluso dagli ambienti isolani, torna a Firenze dove trova occupazione in una tipografia. Relativamente tardi, attorno al 1902, inizia a modellare in creta nello studio di Mario Galli, incoraggiato dagli amici Galileo Chini, Oscar Ghiglia e Adolfo De Carolis.

Libero Andreotti, la partecipazione alla Biennale di Venezia

Nel 1906, trasferitosi a Milano, la sua opera colpisce Vittore Grubicy de Dragon che lo incoraggia a partecipare alla VII edizione della Biennale di Venezia del 1907. È nella capitale lombarda che nel 1906 Andreotti si aggrega al gruppo dei divisionisti. Dal 1907 al 1914 Libero Andreotti soggiorna a Parigi, dove subisce l’influenza di Bourdelle e J. Bernard.

Il successo di Parigi

Nel 1911 espone con una personale alla Galérie Bernheim Jeune e in seguito al Salon d’Automne, ottenendo un notevole successo. Proprio a Parigi si verifica in Andreotti l’abbandono delle giovanili esperienze impressionistiche e il conseguente orientamento verso la ricerca della compattezza nella massa plastica.

A seguito dello scoppio della Prima Guerra Mondiale sarà costretto a rientrare a Firenze dove insegnerà all’Istituto d’Arte e sarà a capo del cosiddetto cenacolo dell’«Antico Fattore». In questi anni la sua ricerca si indirizza verso il monumentale, con riferimenti alla scultura romanica e al Quattrocento fiorentino. Pur attraverso una certa stilizzazione, la produzione in marmo e bronzo sarà abbondante.

La produzione artistica degli anni ’20 di Libero Andreotti

Appartengono a questo periodo i monumenti ai Caduti di Roncade (1922), il monumento ai Caduti di Saronno (1924), il monumento alla Madre Italiana in Santa Croce a Firenze (1924-1-925), il Cristo risorto nell’Arco della Vittoria a Bolzano (1928) e il gruppo di Africo e Mensola alla Galleria nazionale d’arte moderna a Roma del 1933. Gli ultimi anni della sua vita li trascorse a Firenze, dove diviene animatore dell’ambiente culturale cittadino.

Libero Andreotti muore a Firenze il 4 aprile 1933.

Giacomo Balla

Giacomo Balla nasce a Torino il 18 luglio 1871. Sin da adolescente dimostra una crescente predilezione per la pittura e il disegno ed eredita dal padre la passione per la fotografia, medium che influenza la tecnica delle sue prime opere pittoriche nella scelta di certe inquadrature.

Giacomo Balla: gli studi e l’esordio da pittore nel 1891

Giacomo Balla frequenta i corsi dell’Accademia Albertina e la scuola serale di disegno esordendo come pittore alla Società promotrice di belle arti nel 1891. Nel 1895 lascerà Torino per trasferirsi a Roma, dove lavora come caricaturista ed entra in rapporti amichevoli con Duilio Cambellotti e Serafino Macchiati, ospite del quale soggiornerà a Parigi tra il 1900 e il 1901.

Giacomo Balla, la partecipazione alla Biennale di Venezia

Tornato a Roma, Giacomo Balla esegue oltre a paesaggi e ritratti, opere di tematica sociale e populista (La giornata dell’operaio, 1904), tradotti in uno stile divisionista. Nel 1899 le sue opere vengono presentate alla Biennale di Venezia, all’Esposizione Internazionale di Belle Arti di Roma e presso le gallerie della Società degli Amatori e Cultori di Belle Arti, dove esporrà regolarmente nel decennio successivo. In questi anni il suo studio è frequentato da Boccioni e Gino Severini che da lui apprendono il metodo della divisione del colore. Negli anni successivi Giacono Balla abbandona gradualmente la tematica sociale finalizzando la tecnica divisionista a esiti analitici e sperimentali.
Nel 1903 partecipa per la prima volta alla Biennale di Venezia, nel 1909 al Salon d’automne a Parigi e al Salone internazionale di Odessa.

Il Manifesto dei pittori futuristi

Nel 1910 sottoscrive il Manifesto dei pittori futuristi e La pittura futurista – Manifesto tecnico con Boccioni, Severini, Russolo e Carlo Carrà, ma esporrà con i futuristi soltanto a partire dal 1913. In questi anni Giacomo Balla indirizza la sua ricerca verso la resa pittorica del dinamismo, della vita moderna, della velocità e degli effetti della luce artificiale, in armonia con lo spirito del movimento. Si avvicina agli studi compiuti da artisti e scienziati sulla possibilità di catturare il movimento attraverso nuove tecniche, come il Fotodinamismo di Antonio Giulio Bragaglia.

La scultura di Giacomo Balla

Nel 1912 soggiorna a Londra e Düsseldorf, per decorare la casa Löwenstein, e da questa occasione prendono avvio le prime Compenetrazioni iridescenti. Nel 1914 si cimenta per la prima volta con la scultura polimaterica, che presenta alla Prima esposizione libera futurista presso la Galleria Sprovieri di Roma.
Negli anni della prima guerra mondiale insegue l’idea di arte totale definita arte e azione futurista e con Fortunato Depero redige nel 1915 il manifesto Ricostruzione futurista dell’universo.
Con la morte di Boccioni e il dissolversi del futurismo milanese, il centro di gravità si sposta a Roma, dove Balla ne assume la guida. Nel dopoguerra si interessa alla scenografia, alla decorazione e progettazione di ambienti, alla produzione di oggetti d’arredo; realizza le scene per le Feu D’artifice di Igor Stravinsky del 1917. Partecipa alle sequenze del film Vita futurista (1916) dove presenzia assieme a Marinetti alle riprese.

Il Manifesto del Colore, 1918

Nell’ottobre del 1918 pubblica il Manifesto del colore, in cui analizza il ruolo del colore nella pittura d’avanguardia e più tardi nel 1929 sottoscrive il Manifesto dell’aeropittura.
Nell’ambito della sua adesione al futurismo, si ricorda che nel 1926 egli scolpì una statuetta con la scritta alla base “Sono venuto a dare un governo all’Italia”, opera consegnata a Mussolini. Negli anni Trenta Balla era divenuto l’artista del fascismo per eccellenza, apprezzatissimo dalla critica. Nel 1933 realizza Marcia su Roma (verso di Velocità astratta), sembra che l’opera sia stata commissionata dallo stesso Duce. I rapporti con il futurismo si interrompono attorno alla metà degli anni Trenta con il suo ritorno alla pittura figurativa; fino a alla dichiarazione rilasciata con una lettera al Giornale «Perseo» nel 1937, in cui si dice estraneo alle attività futuriste
Giacono Balla muore a Roma il primo marzo 1958.

Afro Basaldella

Afro Libio Basaldella nasce a Udine nel 1912. Dopo la morte del padre, pittore e decoratore, studia a Firenze e a Venezia dove si diploma in pittura nel 1931. L’esordio artistico avviene nel 1928, all’età di 16 anni, quando espone con i fratelli Mirko e Dino alla I Mostra della Scuola Friulana d’Avanguardia a Udine.

L’anno seguente prende parte alla XX Esposizione dell’Opera Bevilacqua La Masa a Venezia. Sempre nel 1929 ottiene una borsa di studio della Fondazione Marangoni di Udine, grazie alla quale si reca a Roma con il fratello Dino. Qui Afro Basaldella entra in contatto con l’ambiente artistico della capitale e quindi con Scipione, Mario Mafai e Corrado Cagli.

Nel 1932 si trasferisce a Milano dove, grazie all’intermediazione del fratello Mirko, frequenta lo studio di Arturo Martini. Sempre a Milano nel 1933 ha l’occasione di esporre alla Galleria del Milione. In seguito Afro tornerà a Roma per poi partecipare nel 1935 alla Quadriennale. Proprio nella capitale, alla Galleria Cometa avranno luogo le prime personali dell’artista nel ’36 e ’37.

La partecipazione alla biennale di Venezia

Sempre nel 1936 prende parte alla Biennale di Venezia, a cui parteciperà anche alle successive edizioni del ’40 e del’42. Nel 1938 Afro Basaldella si reca a Parigi dove fa la diretta conoscenza dell’opera di Picasso, autore che influenzerà gli anni della sua maturità artistica a tal punto che nel primo dopoguerra la sua pittura sarà definita neocubista.

Dopo l’esperienza della Scuola Romana, il breve avvicinamento al Neocubismo e la realizzazione di pitture murali, nel 1950 Afro parte alla volta degli Stati Uniti, iniziando la ventennale collaborazione con la Catherine Viviano Gallery. Sarà la variegata scena artistica americana a influenzare l’opera di Afro verso l’astrazione.

Afro Basaldella e il riconoscimento internazionale

Nel 1952 aderisce al Gruppo degli Otto, raccolto attorno alla figura di Lionello Venturi che in un saggio critico ne loderà l’abilità tecnica e la poesia del lavoro. A metà degli anni Cinquanta l’opera di Afro riscuote consensi a livello internazionale: espone nella mostra The new Decade: 22 European Painters and Sculptors, mostra itinerante negli Stati Uniti, partecipa a Documenta I di Kassel. Nel 1955 entra a far parte della commissione per gli inviti alla VII Quadriennale di Roma e l’anno seguente vince il premio per il migliore artista italiano alla Biennale di Venezia.

Nel 1957 Afro insegnò al Mills College di Oakland. Nel 1958 ottenne la commissione per dipingere il murale per la sede dell’Unesco a Parigi. Il murale si intitolava “The Garden of Hope”, (Il Giardino della Speranza) e fu incluso in una serie di lavori che comprendeva anche opere di Karel Appel, Arp, Alexander Calder, Roberto Matta, Miró, Picasso e Rufino Tamayo.

Afro continuò ad esporre le sue opere nel circuito internazionale. Fu invitato alla seconda Documenta, ed espose al MIT ed in vari musei europei. Vinse il primo premio alla Carnegie Triennial di Pittsburgh, ed il premio italiano al Solomon R. Guggenheim Museum di New York. Il Guggenheim comprò il suo quadro del 1957 “Night Flight”.

All’inizio degli anni Sessanta Afro continua a esporre le sue opere nel circuito internazionale come alla II Documenta e al MIT. In seguito vince il primo premio alla Carnegie Triennial di Pittsburgh e il premio italiano al Solomon R. Guggenheim Museum di New York.

La morte di Afro Basaldella

Dopo la morte nel 1969 del fratello Mirko, Afro inizia ad accusare problemi di salute che si ripercuotono notevolmente sulla sua produzione, caratterizzata dall’intensificarsi dell’opera grafica a discapito dell’attività pittorica ed espositiva.

Muore nel 1976 a Zurigo.

Antonio Biggi

Antonio Biggi nasce a Carrara il 19 ottobre 1904. Figlio di uno scalpellino ha operato per lungo tempo a Roma, con studio in via Margutta. Prende parte alla VI Sindacale Fascista del Lazio (1936) con Ritratto del pittore Saitto e Adolescente, alla I Mostra Nazionale d’Arte sportiva con Discobolo. Nello stesso anno esegue il Ritratto di Vittorio Emanuele II in bronzo per l’Aula della Corte d’Assise del Tribunale di Littoria. È presente anche alla VII (1937), VIII (1938), IX (1940), X (1942) Sindacale Fascista del Lazio. Nel 1939 espone Marzia alla III Quadriennale romana. Nel 1941 su commissione del Genio Civile, previo parere favorevole dell’arch. Frezzotti, realizza un pannello decorativo in marmo rosso porfirico per il salone delle riunioni nella Casa del fascio di Littoria (l’attuale palazzo M), andato distrutto durante l’ultima guerra. Espone alla IV (1943), VI (1951), VII (1955), VIII (1959) Quadriennale romana. Nel dopoguerra vince il concorso per la realizzazione delle porte in bronzo della Basilica di S. Pietro e realizza il portale della Chiesa degli Artisti a Roma. È morto a Roma nel 1966.

Edita Walterowna Broglio

Edita Walterowna Broglio nasce il 26 novembre 1886 a Smiltene.

Proviene da una nobile famiglia, il padre Walter discendeva dai Cavalieri dell’Ordine Teutonico, mentre la madre apparteneva ad una famiglia di commercianti francesi che si erano insediati a Riga.

Dopo la morte della madre, si trasferisce a Tartu dallo zio paterno,  il barone Raimund von Zur-Muehlen, conosciuto per le sue celebri esibizioni presso la corte dello zar e dell’imperatore prussiano. Edita, affascinata dal talento dello zio, si avvicina all’arte, allo studio e al disegno.

Nel 1905 i moti rivoluzionari russi la costringono a trasferirsi, insieme al padre, a Koninsberg, dove si iscrive nel 1908 all’Accademia di Belle arti e conclude il suo percorso accademico nel 1910; nello stesso anno si sposta a Parigi e inizia a frequentare numerosi ateliers, realizzando il desiderio di abitare in una delle capitali artistiche europee.

L’arrivo in Italia

L’anno successivo, nel 1911, arriva per la prima volta in Italia, soggiorna brevemente a Firenze e a Roma, decidendo di stabilirsi nell’Urbe nel 1912. Affitta un piccolo studio in via Flaminia 122 e inizia il periodo che definisce incandescente e visionario: nel 1913 si tiene a Roma la prima Esposizione Internazionale d’Arte della Secessione presso il Palazzo dell’Esposizioni; Edita avvia la sua attività espositiva, presentando le sue opere tra le quali Mezzodì, Via Sistina, Fiori.

Nel 1914 muore lo zio, torna nella sua città natale, a Smiltene, e, dopo aver sistemato la tomba di famiglia, decide di non ritornare più, scegliendo l’Italia come sua seconda patria.

Nel 1917 conosce lo scrittore e organizzatore di mostre d’arte Enrico Maria Broglio, con il quale condivide letture e critiche artistiche. Nei suoi dipinti inizia a firmarsi Edita Broglio; a curare, insieme al suo futuro marito, la celebre rivista d’arte fondata nel 1921“Valori Plastici” che condivideva le proposte della Metafisica e dei movimenti d’avanguardia europei.

Edita e Mario Broglio si sposano nel 1927.

Edita Broglio con il gruppo Valori Plastici espone nel 1922 alla Fiorentina primaverile, inaugurata da Alberto Savinio.

Oltre a essere pittrice, ha l’arte del canto e una dote innata per la recitazione tanto che partecipa al provino per il film Il mio cadavere e Perfido inganno di Anton Giulio Bragaglia, proprietario di una galleria d’arte e di un negozio di fotografia in via Condotti.

La sua pittura è influenzata da varie suggestioni internazionali, dalla cultura dell’avanguardia russa al Blaue Reiter, al primitivismo, fino ad avvicinarsi alla corrente del “Realismo magico”.

Quando Mario Broglio muore il 22 dicembre 1948, Edita si trasferisce a San Michele di Moriano in provincia di Lucca, in cui trascorre un periodo di meditazione, ma di fervida produttività: dipinge la serie delle Ore del giorno e nature morte in tonalità musicale. Riprende, in questi anni, l’esperienza russa dell’esordio, le sonate di Michail Čurlionis, l’immaginario simbolista e la ricerca verso l’astrattismo di Vasilij Kandinsky. Rimane a San Michele fino al 1955, anno in cui ritorna a Roma e cura, per poco tempo, l’edizioni di “Valori Plastici”.

Nel 1959 è presente alla Quadriennale romana; nel 1967 espone a Firenze alla mostra “Arte italiana, 1915-1935”, curata da Carlo Ludovico Rugghianti.
La sua dedizione all’arte e alla scrittura continua instancabilmente e nel 1974, all’età quasi di novant’anni, mette ordine nell’archivio di “Valori Plastici”, collaborando con il poeta e pittore Georges De Canino.
Edita Walterowna Broglio muore a Roma il 19 gennaio 1977.

Umberto Brunelleschi

Hijo de Pietro, asegurador y de Benedetta Cappelli, nace en Montemurlo, en Pistoia, el 21 de junio de 1879. Inicialmente destinado a seguir los pasos paternos estudia, en cambio, pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Florencia bajo la guía de Raffaello Sorbi y de Giuseppe Cianfani, frecuentando al mismo tiempo la “Scuola libera del Nudo”. Estrecha amistad con Ardengo Soffici y Giovanni Costetti junto a los que partirá con veinte años a la vuelta de París, atraído por la grande Exposición del 1900. Brunelleschi pronto encontrará trabajo como ilustrador en las revistas de moda y en periódicos humorísticos como «Le Rire», «Le Frou-Frou», «L’Assiette au Beurre», firmando inicialmente con el pseudónimo Aroun-Al-Raxid y Aron-al-Rascid. Desde 1906 el artista realiza diferentes portadas para el «Giornalino della Domenica», y hacia finales de 1908 figura entre los primeros colaboradores del «Corriere dei Piccoli» donde en calidad de ilustrador dará vida a diferentes personajes para las tablas coloradas, como Fifina, Pupo, Coccoletta, Frugolino y Frugoletto.

En todos estos años no abandonó la pintura, pero será la ilustración a hacerlo célebre ya al final del primer decenio del Novecientos. El pintor florentino Baccio Maria Bacci testimonia en algunas páginas de su diario datado en 1913 en el que se describe una de las magníficas fiestas organizadas por el artista, en su lujoso estudio parisino de Via Boissonarde, «messo un po’ alla orientale, un po’ alla liberty» (“puesto un poco a la oriental, un poco a la liberty”) en el que participaban artistas, escritores y personalidades importantes de la época. Modigliani, Picasso, Soutin, Derain, D’Annunzio, Ida Rubinstein, son solo algunos de los nombre de la lista de los amigos y frecuentadores de la casa de Brunelleschi.

En esta época ya se había casado con Camille, llamada «Camillona […] bionda, prosperosa, espansiva» (“Camillona […] rubia, próspera, expansiva”), que había compartido con él también los momentos menos afortunados.

Al estallar la primera guerra mundial volvió a Italia y partió para el frente, continuando a dibujar en «Il Numero» y «La Tradotta», periódico de la “Terza Armata” fundada por él mismo.

En 1919 volvió a París donde fundó la medizinrezeptfrei24.de «Guirlande», una revista colorada integralmente “au pochoir”.

Hasta los años treinta su actividad es casi frenética, trabajó mucho en teatro sea como diseñador de vestuario que como escenógrafo. Se ocupó de las preparaciones escénicas para las Folies Bergère, el Casino, el Mogador, el Châtelet, el Marigny y el Théâtre de París y en 1926 preparó una serie de ballets (Old Heidelberg) en el Roxy de Nueva York. En 1924 inició a dibujar los vestidos para la Turandot, comisionados por Giacomo Puccini, hoy conservador en el Museo Teatrale della Scala di Milano.

Además de exponer ininterrumpidamente en las Bienales de Venecia desde 1914 a 1938, preparó varias exposiciones personales en París, normalmente exponiendo retratos de personajes ilustres de su tiempo.

Murió en París el 16 de febrero de 1949.

Duilio Cambellotti

Duilio Cambellotti è l’artista-artigiano per eccellenza, impegnato nella questione sociale e nella didattica.
Come William Morris sostiene l’utopia socialista dell’arte globale, moralistica, pedagogica, accessibile a tutti.
Si diploma in ragioneria al Liceo Artistico Industriale specializzandosi nella cesellatura del metallo. Nel 1897 ottiene l’abilitazione per insegnare nelle scuole e nello stesso anno vince il concorso per la realizzazione dei pali di sostegno delle tranvie romane il cui modello in legno farà eseguire a Mariano Coppedé. Terminati gli studi inizia l’attività di designer, progetta specchi, cofanetti, cornici, spille e una serie di lampade per la ditta Schulz di Berlino e per altre ditte europee. Nel 1898 partecipa al concorso per il manifesto dell’Esposizione Nazionale di Torino con l’opera Incandescenza, disegnato per la ditta Lipizzi. Con l’amico Alessandro Marcucci frequenta Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Vittorio Grassi, Gino Severini, Umberto Bottazzi.
Dal 1903 comincia a collaborare con il «Fantasio», «L’Avanti della Domenica», «Rassegna Internazionale», «Novissima». Nel 1905 è costumista del neonato Teatro Stabile di Roma e nel 1908 disegna i costumi e progetta la scenografia de La Nave di D’Annunzio nel Teatro Argentina di Roma. Nello stesso anno insieme a Grassi e Bottazzi dà vita al settimanale «La Casa», mentre con l’amico Marcucci e Sibilla Aleramo promuove la costruzione di scuole nella campagna romana. Nel 1913 disegna gli arredi e i costumi per il film Gli ultimi giorni di Pompei.
Illustra Nel regno dei nani di A. France, Storie Meravigliose di N. Hawthorne e Le Mille e una Notte. Nel 1914 disegna le scene per Agamennone di Eschilo rappresentato al Teatro Greco di Siracusa con cui fu impegnato in una trentennale collaborazione. Nello stesso anno partecipa all’Esposizione Internazionale del libro e della grafica d’arte a Lipsia con alcune tempere del ciclo «Leggende Romane». Nel 1915 partecipa alla III Secessione Romana con un gruppo di vetrate eseguite da Cesare Picchiarini per la Casina delle Civette di Villa Torlonia. Dal 1917 al 1927 è nominato direttore della Scuola di Ceramica presso i laboratori dell’Istituto San Michele di Roma. La sua prima mostra personale è del 1919, tenuta alla Bottega d’Arte Moderna, la galleria romana di Maria Monaci Gallega. Nello stesso anno realizza il Monumento ai Caduti di
Priverno e partecipa all’ Esposizione della Società Promotrice delle Belle Arti di Torino con alcune opere tra cui La pace e La Corazza. Nel 1920 illustra i Racconti della foresta e del mare e Le mitologie di N. Hawthorne, Le Favole di Trilussa, La siepe di smeraldo di E. Cozzani e lavora al Monumento ai Caduti di Terracina con il gruppo Le dolorose. Nel 1922 ottiene un gran successo con le scene e i costumi per Le Baccanti di Euripide e Edipo Re di Sofocle. Nel 1923 mette in scena I Sette a Tebe di Eschilo e Antigone di Sofocle al Teatro Greco di Siracusa. Nel 1926 illustra il grande volume I fioretti di San Francesco. Tra il 1926 e il 1927 soggiorna a lungo a Terracina dove disegna dal vero e prepara una serie di acquerelli sulla storia e i miti del Circeo. Nel 1928 espone alla XVI Biennale di Venezia l’allestimento scenico per il Teatro dell’Opera di Roma nella Mostra dell’Arte del Teatro curata da Margherita Sarfatti.
Nel 1930, per il matrimonio di Umberto di Savoia, disegna i raggruppamenti scenici del corteo storico snodatosi dall’Aventino al Quirinale ed è nominato Accademico di San Luca.
Nel 1931 è impegnato nel vastissimo lavoro per la decorazione e gli arredi del Palazzo dell’Acquedotto Pugliese di Bari. Nel 1934 lavora a La conquista della terra, un ciclo pittorico per una sala della prefettura di Latina e nello stesso anno decora con pitture murali le sale della nuova Prefettura di Ragusa. Nel 1948 allestisce a Siracusa l’Orestea di Eschilo. Negli anni tra il 1949 ed il 1959 conclude il ciclo di xilografie Leggende romane, composte da trentacinque grandi tavole in legno. Muore a Roma il 31 gennaio 1960.

Felice Carena

Nato a Cumiana il 13 agosto 1879, Felice Carena diventa allievo di Giacomo Grosso all’Accademia Albertina di Torino. I suoi primi interessi sono rivolti a lavori di ambito secessionista e simbolista; dopo la sua unica visita a Parigi durante gli anni dell’accademia resterà affascinato dalle opere di Courbet.
Dopo aver vinto il Pensionato artistico nazionale nel 1906 con il dipinto La Rivolta, si trasferisce a Roma e nel 1910 ha una sala personale alla mostra degli Amatori e Cultori.
Nel 1912 espone alla Biennale di Venezia, con opere che rivelavano la sua posizione in ambito di un verismo a sfondo simbolista. Di quegli anni sono significativi lavori dal taglio severo, fuori da ricerche d’avanguardia, ma tesi a una sintesi espressiva come il Ritratto della madre (1912). Nel 1913 è tra i membri della commissione ordinatrice della I Secessione romana.
Tra il 1913 e il 1915 subisce l’influenza della poetica di Matisse e Cézanne, che portano al rinnovamento del suo linguaggio pittorico. Verso il 1915 compone nature morte e figure, poi esposte a Roma nel 1916 nella Mostra degli amatori e cultori di Belle Arti in cui si alternano tratti a impasto mosso e una maggior fermezza di forma e di luce.
Nel periodo della prima guerra mondiale lavora poco e per i meriti sul campo è nominato ufficiale di artiglieria. In seguito si trasferisce ad Anticoli Corrado, ambiente fervido di incontri e assai importante per le sue scelte tematiche e formali.
Tra il 1922 e il 1924 organizza insieme allo scultore Attilio Selva una scuola d’arte presso gli Orti Sallustiani. Le lezioni sono frequentate, tra gli altri, da Emanuele Cavalli, Giuseppe Capogrossi e Fausto Pirandello.

Nel 1924 viene nominato docente all’Accademia di Belle Arti di Firenze e vi insegna fino al 1945. A Firenze strinse amicizia con Ardengo Soffici e Libero Andreotti.
Al termine del secondo conflitto mondiale è costretto a ritirarsi dall’insegnamento. Lascia il convento toscano nel quale viveva solo, dopo la distruzione per bombardamento aereo della sua casa in Firenze, riprende la sua attività a Venezia, in Cannaregio, dove passò, operoso e appartato, l’ultimo ventennio della sua vita.
Intorno al 1940 la sua pittura presenta momenti più drammatici, fatta di luci contrastanti, tocca a volte accenti espressionistici. Lo stimolano la vicinanza delle opere del Tintoretto, ma anche i nuovi fermenti della cultura visiva contemporanea e le vicende dolenti della vita propria e altrui.
Nel 1945 si trasferì a Venezia dove lavorerà fino al 1966 anno della sua morte.

Antonio Corpora

Antonio Corpora nasce a Tunisi il 15 agosto 1909 da famiglia di origini siciliane.All’età di 19 anni entra all’École des Beaux Arts di Tunisi, dove studia con Armand Vergeaud, allievo di Gustave Moreau. Si trasferisce a Firenze nel 1929 e frequenta le lezioni di Felice Carena, ma deluso dall’ambiente conservatore della città, si trasferisce a Parigi nel 1930, dopo una mostra personale a Palazzo Bardi.A Parigi subisce l’influsso delle grandi scuole post-impressioniste, cubiste e fauves. Tuttavia non vi si stabilisce definitivamente e continua a viaggiare: nel 1939 tiene una seconda personale in Italia e alla Galleria del Milone a Milano, trovandosi nell’ambiente frequentato da artisti quali Fontana, Reggianni e Soldati.I suoi viaggi si concludono nel 1945 quando si trasferisce definitivamente a Roma, in un primo periodo come ospite nello studio di Renato Guttuso. La sua idea di rinnovamento del linguaggio pittorico italiano lo porta assieme a Guttuso alla costituzione del Fronte Nuovo delle Arti, con il quale partecipa alla sua prima Biennale di Venezia nel ’48.Nel 1952 Corpora convince Lionello Venturi a scrivere un breve saggio di presentazione del Gruppo degli Otto per la Biennale di quello stesso anno. Alla Biennale Corpora vince il Premio della Giovane Pittura Italiana e alcune sue opere vengono acquistate dal Ministero della Pubblica Istruzione per la Galleria d’Arte Moderna di Roma.Gli anni a seguire saranno caratterizzati da un’intensa attività espositiva: sarà presente alla Biennale di Venezia anche negli anni ’56, ’60, ’66, e in diverse gallerie italiane; in ambito internazionale partecipa a Documenta I del 1955 e Documenta II del 1959, oltre a diverse mostre personali a Berlino, Parigi e New York.Nell’anno 2003, su designazione dell’Accademia Nazionale di San Luca, il Presidente della Repubblica Carlo Azeglio Ciampi gli conferisce il Premio Nazionale “Presidente della Repubblica”.Muore nel 2004, a 95 anni, a Roma.

Pietro Gaudenzi

Pietro Gaudenzi nasce il 18 gennaio 1880 a Genova, dal musicista di origini bergamasche Enrico Gaudenzi, e la genovese Rachele De Negri.

A La Spezia riceve la sua prima formazione artistica dal pittore Felice Del Santo, frequenta l’Accademia ligustica di belle arti di Genova, dove fu allievo di Cesare Viazzi. Il conseguimento del premio artistico Duchessa di Galliera gli consente di trasferirsi a Roma nel 1904, dove lo studio dei maestri del Rinascimento si coniuga all’interesse per i pittori gravitanti all’epoca intorno alla Capitale, tra cui Giulio Aristide Sartorio, Antonio Mancini, Armando Spadini, e Felice Carena, attingendo importanti stimoli per perfezionarsi.

Proprio a  Roma Gaudenzi conobbe la prima moglie Candida Toppi, nota modella di Anticoli Corrado, sposata nel 1909, i cui ritratti, insieme a quelli dei figli, costituiscono un nucleo importante del <em>corpus</em> del pittore.

Nel 1910 la vittoria della medaglia d’oro del ministero della Pubblica Istruzione costituisce il primo grande riconoscimento alla carriera del pittore, a cui fa seguito alla medaglia d’oro all’esposizione di Monaco di Baviera del 1913 e il premio Principe Umberto del 1915 per la Deposizione oggi alla Galleria nazionale d’arte moderna di Roma.

Al di fuori dell’ambiente romano, viene nominato anche professore emerito delle accademie di Genova e di Parma. Lo stile di questo periodo, legato alla corrente del verismo, è destinato a una graduale trasformazione verso una resa più lirica quando  Gaudenzi, già vedovo, si trasferisce per un decennio a Milano nel corso degli anni Venti e per una parte dei Trenta, esponendo nel 1932 alla Biennale di Venezia e nel 1935 alla Quadriennale di Roma. Nello stesso anno, sposa la cognata, Augusta Toppi, dal cui matrimonio nacquero altri due figli, Iacopo e Maria Candida. Lascia Milano per trasferirsi ad Anticoli Corrado, dove fu tra i fondatori della locale Galleria d’Arte Moderna.

Proprio in riferimento ad Anticoli Corrado, alla sua atmosfera e alle sue celebri donne, allo stesso tempo modelle, lavoratrici, mogli e madri, Pietro Gaudenzi si cimenta in una straordinaria impresa di decorazione, costituita dagli affreschi nel Castello dei Cavalieri di Rodi del 1938, un ciclo purtroppo irrimediabilmente perduto,  ma di cui la <strong>Galleria del Laocoonte </strong>custodisce  i cartoni e i bozzetti preparatori, che si sono fortunatamente salvati, dedicandogli quattro grandi esposizioni.

La presenza alle principali rassegne italiane d’arte contemporanea, cui si aggiungono le personali presso la galleria Pesaro di Milano del 1921 e del 1931, nel palazzo ducale di Genova (1931), e il riconoscimento della cattedra di pittura all’Accademia di Napoli del 1935, con il premio Mussolini per le arti dell’anno seguente, testimoniano il suo prestigio e la sua posizione di rilievo nell’ambito del contesto artistico italiano, suggellata dalla nomina a membro delle Accademie dei Virtuosi al Pantheon, di S. Luca, di cui fu presidente dal 1937 al 1938. Nel 1940 ottenne la medaglia d’oro di benemerenza del ministero dell’Educazione nazionale.

Nel 1951 viene incaricato della direzione della Scuola vaticana di mosaico, avendo dedicato molta parte dei suoi ultimi anni a questa tecnica, realizzando mosaici per il duomo di Messina, per la cripta del Duomo di Ascoli Piceno, per le absidi della Regina Apostolorum e della chiesa del Collegio Americano di Roma, prima della morte avvenuta ad Anticoli Corrado il 23 dicembre 1955.

Franco Gentilini

Franco Gentilini, artista italiano del novecento

Franco Gentilini nasce a Faenza il 4 agosto del 1909 da Luigi, calzolaio, e dalla sua seconda moglie, Annunziata Cenni. Dopo aver frequentato le scuole elementari, inizia a lavorare come apprendista ebanista intagliatore. Tra il 1921 e il 1925 frequenta i quattro corsi serali della Scuola comunale «Tommaso Minardi» di disegno industriale e plastica per artigiani e contemporaneamente lavora come apprendista nella fabbrica di ceramiche Focaccia & Melandri, frequentando la Pinacoteca comunale e studiando la pittura antica.

Nel 1925 si reca a Bologna per incontrare Giovanni Romagnoli, titolare della cattedra di Pittura all’Accademia di Belle Arti della città per mostrargli i suoi disegni. Incoraggiato a proseguire e introdotto da Romagnoli presso il critico d’arte Nino Bertocchi, già quello stesso anno partecipa alla Seconda Mostra del Risveglio Giovanile con alcuni lavori. Nel 1927, diviene aiutante del pittore Mario Ortolani come decoratore, presso il quale ammira numerose riproduzioni degli impressionisti, di Cézanne, e dei Cubisti.

Nel 1930 espone alla XVII Biennale Internazionale d’Arte di Venezia dove sarà presente, in seguito, nel 1936, 1938, 1940, 1942 (14 opere), 1948, 1950, 1952 (9 opere), 1958 (sala personale), 1966 (sala personale) e nel 1968.

Nel 1932 si trasferisce definitivamente a Roma. Entra nell’ambiente letterario dello storico Caffè Aragno, dove conosce e frequenta artisti e letterati (Ungaretti, Cardarelli, Barilli, Mucci, Cecchi, Sinisgalli, Diemoz, Beccaria, Cagli, De Libero, Falqui), avviando con loro lunghe collaborazioni nell’illustrazione di loro testi e poesie.

Dal 1934 diviene illustratore di alcune riviste:i L’Italia Letteraria, Quadrivio, Il Selvaggio e dagli anni quaranta Primato, Documento, Domenica. Entra in contatto con il collezionista e mercante d’arte Carlo Cardazzo, delle Gallerie del Cavallino di Venezia e del Naviglio di Milano, che sarà tra i suoi principali promotori anche all’estero.

Gli anni Trenta sono anni di partecipazione a numerosi Premi (secodo posto al Premio Rubicone 1933; primo al Premio Rubicone 1934), a Biennali e Quadriennali.

Nel 1938 viene nominato insegnante titolare della cattedra di Ornato al Liceo Artistico di Firenze. Qui frequenta il caffè Giubbe Rosse e conosce Montale, Gatto, Luzi, Vallecchi, Landolfi e Bilenchi.

Durante la guerra e fino ai primi anni Cinquanta espone a Roma, Trieste, Milano, Napoli, Salisburgo, Vienna, Parigi, Monaco.

Negli anni Cinquanta ottiene premi e riconoscimenti pubblici: riceve il “Premio Vie Nuove” per la pittura, tiene una Personale a Parigi, alla Galerie Rive Gauche, presentato da Guido Piovene, dove espone, oltre ai dipinti, dieci disegni per La Metamorfosi di Franz Kafka.

Dal 1955 è titolare della cattedra di pittura all’Accademia di Belle Arti di Roma.

Negli anni Sessanta l’artista, dopo aver elaborato gli schizzi realizzati durante il mese di soggiorno a New York, organizza una mostra itinerante negli Stati Uniti.

Nel 1968 gli viene conferito il “Premio Presidente della Repubblica” dall’Accademia Nazionale di San Luca di Roma.

Nel 1976 gli viene assegnata, per meriti artistici, la Medaglia d’Oro della Pubblica Istruzione ed a Montecatini Terme, l’Accademia d’Arte Scalabrino gli conferisce il Premio “Vita d’Artista”; al Grand Palais con una sala personale alla FIAC di Parigi, inizia la sua presenza a questa manifestazione che si aggiunge alle personali alla Galleria Blumen di Lugano e alla Galleria La Colomba di Torino.

Nel 1977 seguono altre personali alla Galleria Santacroce di Firenze, alla Galleria Toninelli di Roma e Milano (trasferita nel 1978 alla Galleria Forni di Bologna) e al Palazzo Ettore di Sacile; a Bruxelles viene eletto Socio dell’Accademia Reale delle Scienze Lettere e Belle Arti del Belgio.

Alla mostra “San Paolo nell’arte contemporanea”, allestita al Braccio di Carlo Magno nella Città del Vaticano, espone il dipinto S. Paolo fugge da Damasco, 1977, commissionatogli dalle Gallerie Vaticane in occasione degli ottant’anni di Paolo VI.

La sua attività continua fino al 1981, quando muore il 5 aprile dopo una brevissima malattia.

Vittorio Grassi

Indirizzato dal padre Giovanni Battista, inizia a lavorare presso l’Officina Carte Valori della Banca d’Italia, dove apprende l’arte della stampa e inventa un sistema infalsificabile di stampa policroma per le carte valori. Nel 1902 dà sfogo alla sua natura di artista esponendo alcuni suoi dipinti alla galleria Galassi Paluzzi di Perugia e l’anno seguente al Palazzo delle Esposizioni in una mostra organizzata dal circolo della Società di Amatori e Cultori di Belle Arti di Roma. Nel 1904 si lega a Duilio Cambellotti, Giacomo Balla e Giovanni Prini e si avvicina al gruppo dei XXV della Campagna Romana. Nel 1906 ha una sala personale alla LXXVI Esposizione degli Amatori e Cultori. Nel 1908 partecipa, insieme a Cambellotti, Bottazzi, Marcucci e Menasci, alla fondazione della rivista «La Casa». Nel 1911 partecipa alla Mostra della Topografia Romana Antica, allestita nelle sale di Castel Sant’Angelo, presentando un quadro raffigurante un grande panorama della città medievale. Nello stesso anno, in occasione della celebrazione romana del Cinquantenario dell’Unità d’Italia e di Roma Capitale, realizza alcuni pannelli in ceramica per il villino La Casa che si trovava in Lungotevere delle Armi. Nel 1912 allestisce il Macbeth al Teatro Costanzi di Roma e partecipa alla Prima Mostra della Vetrata Artistica, dove vengono esposte quattro vetrate da lui disegnate. Nello stesso anno disegna per la Richard-Ginori alcuni vasi in ceramica con decorazioni naturalistiche di rane e serpenti che vengono presentati alla Biennale di Venezia. Nel 1913 e per i due anni successivi partecipa alla Mostra della Secessione Romana. Sempre in questi anni riordina la Galleria d’Arte Moderna di Roma. Ancora nel 1913 ottiene la cattedra di ornato, incisione e scenografia all’Accademia di belle arti di Roma.

Nel 1915 allestisce il padiglione italiano alla Mostra Internazionale di San Francisco. Nel 1921 è chiamato ad illustrare per l’Istituto d’Arti Grafiche di Bergamo il volume «Vita Nova» di Dante Alighieri. Nel 1923, insieme a Giovanni Prini, allestisce la sala della Musica alla Mostra Internazionale d’Arte Decorativa di Monza e nel 1925, alla stessa manifestazione, realizza la decorazione della Sala degli abitatori della Campagna Romana. Nel 1937 è direttore artistico e capo della sezione illustrativa dell’Enciclopedia Treccani.
Muore a Roma nel 1958.

Giovanni Guerrini

Giovanni Guerrini nasce a Imola nel 1887.
A Faenza fa parte del “cenacolo baccariniano” – assieme agli amici Domenico Rambelli, Ercole Drei e Giuseppe Ugonia – e presso la locale Scuola di Disegno riceve una educazione politecnica che, nel tempo, saprà dispiegare in vari campi espressivi : sarà, infatti, pittore, litografo, cartellonista, progettista di oggetti e di arredi, allestitore e architetto. Nel 1912 espone per la prima volta alla Biennale di Venezia dove sarà presente anche nel 1914 e, ininterrottamente, dal 1920 al 1936. Nel 1915 si trasferisce a Ravenna come insegnante di Ornamentazione e Disegno Architettonico all’Accademia di Belle Arti di Ravenna, dove ottiene, nel 1926, l’istituzione della “Scuola del Mosaico” di cui sarà direttore a partire dal 1961. Nel 1925 vince il concorso per il manifesto della II Mostra Internazionale delle Arti Decorative di Monza. Nel 1926 è invitato a partecipare alla prima Mostra del Novecento Italiano.
Nel 1927 è a Roma come direttore artistico dell’ENAPI e nella capitale rimarrà, salvo periodici ritorni nella casa di campagna di Faenza, per tutta la vita. Negli anni Venti e Trenta si infittiscono le sue partecipazioni a importanti mostre. A Roma, continua l’attività pittorica ma si dedica soprattutto a progettare oggetti ed elementi di arredo in vari materiali per l’Ente di cui, come allestitore, cura anche le presenze alle più importanti occasioni espositive italiane ed estere (Torino 1928, Triennale di Milano 1933 e 1936, Barcellona e Lipsia 1929, Atene 1931, Parigi e Bruxelles 1935, Firenze 1938, New York 1939).
Nel 1938 vince, con M. Romano e E. Bruno La Padula il concorso per il Palazzo della Civiltà Italiana all’E42 che costituisce l’apice della sua carriera architettonica. Nel 1939 realizza sei grandi riquadri a mosaico per le fontane del Palazzo degli Uffici all’E42 e nel 1941 vince, con A. Capizzano, F. Gentilini e G. Quaroni, il concorso per i mosaici da collocare nel Palazzo dei Congressi, sempre all’E42. Nel dopoguerra continua le sue attività legate all’artigianato italiano con conferenze e allestimenti (Lille 1951, Roma 1953, Parigi 1956 e Monaco di Baviera 1957).
Muore a Roma nel 1972.

Achille Funi

Achille Virgilio Socrate Funi nasce a Ferrara il 26 febbraio 1890. Nella città natale compie i primi studi di disegno, decorazione e modellazione alla Scuola d’arte «Dosso Dossi». Nel 1906 si trasferisce a Milano dove segue fino al 1910 i corsi di Pittura di Figura all’Accademia di Brera con Cesare Tallone.

Nel 1914 aderisce al movimento futurista “preso dal bisogno di ritrovare quei valori plastici e ritmici che la pittura dell’ultimo ottocento aveva del tutto perduti”.
Allo scoppio della prima guerra mondiale si arruola con il battaglione Lombardo Volontari Ciclisti e Automobilisti al fianco di Boccioni.
Gli anni del dopoguerra sono decisivi per la sua evoluzione artistica: dopo aver tenuto presso la Galleria Arte di Milano la prima mostra personale nel 1920 e avvicinatosi a Margherita Sarfatti, aderisce al richiamo del “ritorno all’ordine”, recuperando l’eredità pittorica del Rinascimento italiano. Nel 1922 è tra i fondatori del gruppo dei Sette Pittori di Novecento, e nel 1930 partecipa come esponente della Scuola di Milano alla I Quadriennale romana del 1931. Nel 1933 sottoscrive con Mario Sironi ed altri artisti il Manifesto della pittura murale.

Partecipa alle Esposizioni futuriste, alle Biennali di Venezia e alle Quadriennali di Roma, nonché all’Internazionale dell’Avanguardia Moderna a Ginevra e in seguito alle più importanti mostre italiane ed estere. Dal 1939 al 1960 è stato titolare della Cattedra d’Affresco all’Accademia di Belle Arti di Brera, dove suoi allievi sono stati Giuseppe Ajmone, Valerio Pilon, Oreste Carpi. Alla sua carriera di insegnamento aggiungerà una breve parentesi all’Accademia Carrara di Bergamo, con una cattedra in pittura nel 1945 e diventandone successivamente direttore dopo Luigi Brignoli.

Muore ad Appiano Gentile il 26 luglio 1972.

Leoncillo Leonardi

Leoncillo Leonardi nasce a Spoleto il 18 novembre 1915.
Il nonno paterno era liutaio, quello materno ebanista; questo esempio di attitudine quotidiana al lavoro artigiano certamente influì sulla sua formazione. Nel 1926 si iscrisse all’istituto tecnico G. Spagna, dove un tempo aveva insegnato il padre. A seguito di una bocciatura scolastica trascorse appartato alcuni mesi, durante i quali cominciò a modellare la creta: gli esiti incoraggianti e i primi rudimenti impartitigli dallo scultore calabrese Domenico Umberto Diano lo spinsero a iscriversi, nel 1931, all’istituto d’arte di Perugia, che frequentò fino al 1935. Quell’anno raggiunse a Roma il fratello maggiore Lionello, il quale, allontanato dalle scuole pubbliche in quanto antifascista, insegnava lettere presso un istituto religioso, il collegio S. Maria. Risalgono a questi anni giovanili i primi disegni noti dell’artista.
Nel 1936 entrò in contatto con la galleria La Cometa, diretta dal poeta Libero De Libero, amico del fratello Lionello, e luogo di incontro degli artisti più giovani e meno compromessi con l’arte di regime: Mario Mafai e Antonietta Raphael, Corrado Cagli, Mirko e Afro Basaldella, Pericle Fazzini, Marino Mazzacurati. Trasse profonda ispirazione dal contatto con quella che fu definita la scuola romana; ma per alcuni anni operò isolato nel suo studio.
Nel 1939 lasciò Roma, trasferendosi a Umbertide, in Umbria, dove il 9 luglio sposò Maria Zampa, sua compagna all’istituto d’arte, dalla quale ebbe due figli: Daniella e Leonetto. A Umbertide entrò in contatto con la fabbrica di ceramiche di proprietà di Settimio Rometti, che era stata guidata alcuni anni prima da Cagli. Qui perfezionò le sue conoscenze tecniche sui materiali ceramici e sulle cotture e stabilì un rapporto di scambio con Rometti, ceramista a sua volta, presso i cui forni diede luogo a una produzione di sculture di dimensioni notevoli.
Nel 1940, su invito di Giò Ponti, partecipò alla VII Triennale di Milano, dividendo la sala con Salvatore Fancello e aggiudicandosi la medaglia d’oro per le arti applicate. Nel 1942, separandosi dai familiari fece ritorno a Roma, dove fu incaricato della docenza di plastica e ceramica all’Istituto Statale d’arte (insegnamento che tenne sino al 1952, avendo tra i colleghi Afro, Ettore Colla, Fazzini). Nell’estate dell’anno successivo presentò la serie dei Mostri nell’ambito di un’esposizione collettiva di giovani artisti (tra i quali Scialoja, Purificato, Turcato e Vedova) presso la galleria La Cometa di Roma, ricevendo critiche lusinghiere.
Convinto antifascista si avvicinò dapprima alle organizzazioni partigiane romane, poi si affiliò alla brigata “Innamorati”, attiva in Umbria. Furono questi anni importanti per l’artista e di profonda riflessione: aderendo al Partito comunista italiano, nell’Italia lacerata dalla guerra, fu coinvolto profondamente nella problematica del realismo in arte. Dal dicembre 1944 avviò una collaborazione, durata alcuni mesi, con il periodico romano «La Settimana», che ospitò suoi disegni e soprattutto alcuni ritratti di intellettuali.
Dopo aver sottoscritto a Venezia nel 1946 il manifesto della Nuova Secessione artistica italiana, divenuto l’anno seguente Fronte nuovo delle arti, l’attività artistica di Leoncillo fu correlata per alcuni anni alle vicende del gruppo, con il quale, sostenuto da Giuseppe Marchiori, egli espose alle Biennali di Venezia del 1948 e del 1950.
I primi anni Cinquanta furono estremamente operosi e prodighi di riconoscimenti. Nel 1951 vinse il primo premio per una scultura da giardino alla II Mostra nazionale della ceramica; nel 1953 ottenne il premio acquisto alla I Mostra d’arte di Spoleto, per molti anni presieduta dal fratello Lionello, e nel 1954 vinse il primo premio al XII Concorso nazionale della ceramica di Faenza.
Nel marzo 1957 si tenne una personale alla galleria La Tartaruga di Roma; in catalogo l’artista stesso dichiarava conclusa la propria esperienza nell’ambito del realismo di ispirazione socialista.
Sempre nel 1957 concluse un pannello decorativo sul tema del lavoro per l’atrio della sede dell’Istituto nazionale per la previdenza sociale a Ferrara; a Roma, invece, eseguì una fontana per un complesso abitativo INA Casa a S. Lucia.
Intrapresa la strada dell’arte non figurativa, in seguito condusse una vita dedita alla ricerca e alla sperimentazione. Nel 1959 partecipò alla VIII Quadriennale di Roma, nell’ambito della retrospettiva sulla scuola romana, quello stesso anno vinse il primo premio alla II Mostra nazionale della ceramica e dei lavori in metallo di Gubbio.
Nel 1968, presente con una sala personale alla Biennale di Venezia, in cui aveva allestito opere dell’ultimo decennio, velò le sue sculture con dei teli di plastica in segno di adesione alle proteste dei giovani artisti.
Morì a Roma il 3 settembre 1968.

Marino Marini

Marino Marini nasce a Pistoia il 27 febbraio 1901.  A 16 anni, si iscrive all’Accademia delle Belle Arti di Firenze, frequentando i corsi di pittura di Galileo Chini e quelli di scultura tenuti da Domenico Trentacoste. Nel 1919 si reca per la prima volta a Parigi dove entra in contatto con le nuove tendenze del mondo dell’arte.

Tornato in Italia comincia a praticare la pittura e l’incisione, legandosi alla tradizione figurativa di fine Ottocento e in particolare all’opera di Medardo Rosso. In alcuni lavori dei suoi inizi emerge l’influenza degli artisti del primo Rinascimento, in particolare Piero della Francesca.

Dal 1922 decide di dedicarsi alla scultura e comincia a partecipare a numerose esposizioni che decreteranno la sua fama. Nel 1926 apre uno studio a Firenze, ma nel 1929 si trasferisce a Milano, chiamato da Arturo Martini ad occupare la cattedra di scultura presso la scuola d’arte di ISIA nella Villa Reale di Monza, (che manterrà fino al 1940). Sempre del 1929 è la prima importante scultura, Popolo, in terracotta, con la quale Marino si rivela al pubblico e alla critica.

Nei primi anni trenta visita ancora Parigi. Nel 1932  espone sia a Milano che a Roma e diventa membro onorario dell’Accademia di belle arti di Firenze.

Il 14 dicembre 1938 sposa Mercedes Pedrazzini, che da allora chiamerà Marina, sottolineando l’intenso suo legame con la donna. Nel 1940 lascia Monza per diventare professore alla facoltà di scultura dell’Accademia di Torino e l’anno successivo diventa titolare della cattedra di scultura all’Accademia di belle arti di Brera a Milano. Durante la guerra si rifugia a Tenero[1], in Svizzera, nei pressi di Locarno (città natale di Marina). Si reca spesso a Zurigo e Basilea continuando a esporre fino al 1945.

Solo nel 1948 torna a Milano dove riprende a insegnare e torna a ricoprire la cattedra all’Accademia di Brera a Milano. Quell’anno  Peggy Guggenheim acquista un suo Cavaliere, L’angelo della città, e lo installa a Venezia davanti al suo museo, dove si trova tuttora.

Gli anni successivi vedono il suo progressivo svincolarsi dalle forme definite e un crescere del suo compiacimento per forme e volumi eleganti e stilizzati. Significativa in questo senso la sua amicizia con lo scultore Henry Moore. Nello stesso periodo incontra il mercante americano Curt Valentin, che lo invita negli Stati Uniti e gli organizza una grande personale a New York ed una serie di esposizioni che contribuiscono a far conoscere la sua opera nel mondo, la cui notorietà continua a crescere, facendolo esporre a Monaco, Rotterdam, Stoccolma, Copenhagen, Oslo e Helsinki, culminando con le grandi mostre al Kunsthaus di Zurigo nel 1962 e in Palazzo Venezia a Roma nel 1966.
Nel 1968 riceve a Göttingen la più alta onorificenza tedesca con la nomina a membro dell’Orden pour le Mérite fur Wissenschaften und Kunst, cui seguirà, nel 1976,  la dedica di una sala permanente alla Nuova Pinacoteca di Monaco di Baviera.

Lo scultore, la cui ricerca è stata rivolta alla struttura interna della forma, all’organizzarsi dello spazio stesso in forme plastiche, ha mirato sempre a valori di pura plastica, che lo hanno avvicinato anche agli esiti plastici della scultura etrusca ed egizia. Muore a Viareggio all’età di settantanove anni il 6 agosto 1980.

Alberto Martini

Alberto Martini, pseudonimo di Alberto Giacomo Spiridione, nasce il 24 novembre a Oderzo. Nel 1879 si trasferisce con la famiglia a Treviso dove il padre insegna disegno presso l’Istituto Tecnico Riccati.

Tra il 1890 e il 1895 sotto la guida del padre, descritto da Vittorio Pica come suo unico e premuroso maestro, inizia a dipingere e a disegnare. Durante gli anni della formazione, Martini realizza innumerevoli disegni, rivelando da subito una particolare predilezione per la grafica.

Si dedica anche ad acquarelli e tempere di piccolo formato, grazie ai quali raggiunge i primi validi risultati. Nel 1895 inizia la prima serie di illustrazioni a penna in inchiostro di china per il Morgante Maggiore di Luigi Pulci, che, tuttavia, presto abbandona per dedicarsi alle illustrazioni per la Secchia rapita (1895-1935) di Alessandro Tassoni.

Nel 1896 inizia a illustrare il ciclo grafico per il Poema del lavoro. Nel 1897 Espone alla II Biennale di Venezia 14 disegni per La corte dei miracoli che verranno presentati l’anno seguente a Monaco e all’Esposizione Internazionale di Torino, insieme ai disegni per Il Poema del lavoro. Nel 1898 Martini soggiorna a Monaco e lavora come illustratore per le riviste «Dekorative Kunst» e «Jugend».

Determinante risulta nella primavera di quell’anno l’incontro dell’artista con Vittorio Pica in occasione dell’Esposizione Internazionale di Torino. Sarà il noto critico napoletano a sostenerlo d’ora in poi, proponendo la sua arte in ambito italiano ed europeo. Nel 1901 esegue il primo ciclo di 19 disegni a penna acquarellati per l’edizione illustrata de La Divina Commedia, lavoro commissionato a Martini da Vittorio Alinari per intercessione del solerte Pica. Partecipa alla IV Biennale di Venezia con i disegni per La secchia rapita: 38 vengono acquistati dalla Galleria d’Arte Moderna di Roma.

Nel mese di luglio del 1905 inizia a eseguire le tavole illustrative per i racconti di Edgar Allan Poe, a cui lavorerà sino al 1909 e oltre, inaugurando un periodo di grande intensità creativa nell’ambito della grafica a spunto letterario. Conosce e frequenta l’avvocato Cesare Sarfatti e la moglie di questi, Margherita, attiva nel campo della critica d’arte. I rapporti saranno frequenti fino al 1910, poi si interromperanno, per la polemica di Martini verso il ruolo della Sarfatti all’interno di Novecento.

Nel 1912 incoraggiato da Pica, Martini si dedica alla produzione pittorica, facendo uso soprattutto della tecnica del pastello. Realizza le Sinfonie del sole (L’Aurora, La notte, I fiumi) e il pastello Farfalla gialla. Allo scoppio del primo conflitto mondiale, lavora a 54 litografie intitolate Danza macabra, tramite le quali rivela il suo sentimento antitedesco, che stampate in formato cartolina, sono distribuite tra gli alleati come propaganda. Risale al 1919 l’interesse di Martini per il teatro: realizza 84 disegni a penna e acquarello colorato e sei tavole a tempera per i costumi del balletto Il cuore di cera, in tale occasione l’artista si occupa anche della coreografia e del canovaccio letterario. Risale invece al 1923 l’idea di Martini del Tetiteatro: un teatro sull’acqua dedicato, come suggerisce il nome, alla dea del mare Teti. Deluso e amareggiato dall’ostilità dei critici italiani, che verso la fine degli anni Venti sembrano ignorare i suoi lavori, Martini si trasferisce a Parigi dove frequenta l’ambiente dei critici e dei letterati e trova numerosi estimatori della sua arte. Stringe amicizia con Solito de Solis, musicista e appassionato d’arte, che lo introduce nei salotti aristocratici parigini. Inizia a dipingere “alla maniera nera” eseguendo opere di impostazione surrealista.

Nel 1940 a causa della precaria situazione finanziaria Martini è costretto a rientrare a Milano. Qui, in occasione della Triennale milanese, esegue il bozzetto per il trittico Battaglia d’uomini e demoni: con quest’opera si impegna a esaltare le conquiste del regime. Allo stesso tempo però, soprattutto tra il 1935 e il 1936, rivela il suo acceso antinovecentismo tramite la pubblicazione sulla rivista «Perseo» di disegni, didascalie e vignette caratterizzati da una pungente vena satirica. Muore l’8 novembre del 1954 a Milano. Lascia un testamento spirituale, auspicando l’istituzione di un museo dove custodire le memorie e i documenti del surrealismo italiano.

Muore nel 1954 a Milano.

Publio Morbiducci

Publio Morbiducci nasce a Roma il 28 agosto 1889, secondogenito di Luigi, operaio metallurgico, e di Anna Maria Polizzi, impiegata in una tipografia. A causa delle ristrettezze economiche della famiglia, nel 1900 deve interrompere gli studi per lavorare presso un carrozzaio. Continua, tuttavia, a studiare da autodidatta e nel 1904, grazie a una breve esperienza nella bottega di un pittore specializzato nei cosiddetti arazzi (tele pubblicitarie dipinte), apprende i primi rudimenti di arte pittorica, manifestando una spiccata inclinazione artistica.

Nel 1905 si iscrive all’Istituto di Belle Arti, che frequenta fino al 1910. Parallelamente segue i corsi del Museo artistico industriale, dove conosce Duilio Cambellotti che lo persuade ad abbracciare definitivamente la carriera artistica. Nel 1910 realizza il rovescio della medaglia commemorativa del Cinquantenario della Proclamazione del Regno d’Italia del 1911. L’anno successivo è ammesso alla Scuola d’arte della medaglia, frequentandone i corsi sino al 1915 grazie a una serie di borse di studio. Tale esperienza si rivela fondamentale nel suo percorso, offrendogli una conferma significativa delle proprie aspirazioni artistiche nonché la possibilità di un tirocinio tecnico di notevole importanza. Già a partire da quegli anni Morbiducci inizia a cimentarsi in ambiti espressivi diversi, maturando da subito quella concezione del fare fortemente incentrata su una dimensione artigianale, a cui rimase fedele anche negli anni di maggior affermazione.

Nel 1915, esonerato per motivi di salute dal servizio di leva, si iscrive al partito socialista ed esordisce alla Secessione romana, esponendovi due maschere bronzee (Mio fratello Augusto, Il pittore S. Silva) che lo consacrano tra gli scultori dell’epoca. Nel 1924 Ugo Ojetti presenta la mostra di medaglie realizzate dall’artista all’American Numismatic Society di New York. Nel 1931 si aggiudica il concorso per il Monumento al bersagliere di Roma a cui lavora sino al 1932. Il lavoro era stato assegnato su segnalazione di Mussolini che aveva ritenuto il suo bozzetto il più idoneo a esprimere il carattere popolare del bersagliere.

Tra il 1930 e il 1940 si afferma come uno dei maggiori artisti del regime ed è protagonista nella mostra del Decennale della Rivoluzione fascista. Nel 1937 è nominato membro dell’Accademia di S. Luca. Nel 1939 si sposa con Nicoletta Olga De Marchis. Risalgono a questi anni le ultime opere monumentali, realizzate nel quartiere dell’EUR: nel 1939 gli viene commissionato il grande fregio marmoreo per palazzo degli Uffici e, nel 1940, uno dei gruppi dei Dioscuri per il palazzo della Civiltà italiana, la cui esecuzione fu sospesa a causa della guerra; l’artista porterà a compimento le statue, semidistrutte dai bombardamenti, solo nel 1956.

Muore a Roma il 31 marzo del 1963.

Marisa Mori

Marisa Mori, all’anagrafe Maria Luisa Lurini, nasce a Firenze il 9 marzo 1900. Nel 1918 si trasferisce con la famiglia a Torino, dove si avvicina alla pittura da autodidatta, incoraggiata dallo scultore e amico di famiglia Leonardo Bistolfi. In quegli anni a Torino era attivo Felice Casorati e la Mori, dopo aver visto alcuni suoi ritratti, rimane entusiasta di quel tipo di pittura e decide di frequentare le sue lezioni tra il 1925 e il 1931, per poi diventarne assistente nei primi anni Trenta, quando Casorati apre una vera scuola. Nel 1926 partecipa all’Esposizione delle vedute di Torino a palazzo Bricherasio insieme al gruppo degli allievi della scuola di Casorati, di cui facevano parte anche Nella Marchesini, Daphne Maugham, Paola Levi Montalcini e Lalla Romano. Nel capoluogo piemontese prende parte a varie edizioni delle esposizioni organizzate dalla Promotrice di belle arti del Valentino, partecipa alla IV Quadriennale di Torino; quindi è presente alle Sindacali del 1929, 1930, 1931 e 1932.

Tra il 1931 e gli inizi del 1932 la Mori conosce Tullio Mazzotti e Fillia, entrando così in contatto con il gruppo dei futuristi. Nel novembre del 1931, a Chiavari, partecipa alla Mostra futurista di pittura e scultura e arti decorative con una serie di ceramiche da lei ideate e prodotte dalla ditta Mazzotti di Albisola. Nel 1932 la sua adesione al futurismo è sancita dall’intensa attività espositiva condotta insieme al gruppo dei futuristi liguri-piemontesi della seconda generazione. La parentesi torinese si conclude nel 1932. quando fa ritorno a Firenze al seguito del marito, con il quale entra a far parte dei Gruppi futuristi d’iniziative diretti da Antonio Marasco. Nel contempo inizia a dipingere quadri ispirati al mito futurista della radio e dell’ascolto radiofonico.

Nel 1933 alla I Mostra futurista di scenotecnica cinematografica presso la galleria Bardi di Roma, ottiene la medaglia d’argento per il plastico del film Sintesi dell’isola d’Elba, che tuttavia non sarà mai girato.
L’interesse per il teatro e il cinema la porta a iscriversi, verso la metà degli anni Trenta, alla scuola di recitazione dell’Accademia dei Fidenti a Firenze, nella quale diviene insegnate di storia del costume nel dopoguerra. Contribuirà anche alla stesura della Cucina futurista di Marinetti e Fillia.
Nell’aprile del 1934 espone con la sua prima personale nello spazio Bragaglia fuori commercio di Roma. Sempre nella compagine futurista prende parte alla Quadriennale nazionale di Roma negli anni 1931, 1935 (Ritorno dalle colonie marine) e 1939 (Concerto di fabbrica sulle Apuane).
Ricercando un costante equilibrio tra elementi astratti e figurativi, non abbandona mai del tutto la riconoscibilità naturalistica dei soggetti, ma sottopone le forme a una scomposizione cubo-futurista privilegiando i ritmi curvilinei.
Sul finire degli anni Trenta, in netto dissenso con l’emanazione delle leggi razziali, dà ospitalità a Rita e Gino Levi Montalcini, dal quale apprende una tecnica di disegno a ricalco, messa a punto da lui stesso, che ha utilizzato per un lungo periodo nelle sue opere. Proprio in questi anni mette in discussione il suo rapporto con il futurismo e dopo la morte del marito, avvenuta nel 1943, abbandona definitivamente il movimento marinettiano per tornare verso una figurazione di matrice classica e naturalistica, ritrovando temi casoratiani, come il ritratto, le nature morte, le maschere, i nudi. Nel 1951 presenta il dipinto Studio per il ritratto di Vera Zalla alla VI Quadriennale nazionale di Roma, dopodiché conduce vita ritirata, esponendo di rado e quasi esclusivamente nelle mostre di pittura femminile patrocinate dal circolo culturale fiorentino Lyceum. In questa ultima fase della sua ricerca dipinge soprattutto figure umane, paesaggi dal vero o nature morte, partecipando a numerosi concorsi di pittura estemporanea.

Muore a Firenze il 6 marzo 1985.

Alberto Savinio

Alberto Savino, pseudonimo di Andrea Francesco Alberto de Chirico, nasce ad Atene il 25 agosto 1891.
Terzo figlio di Evaristo de Chirico, ingeniere ferroviario e fratello di Giogio de Chirico.
Studiò pianoforte e composizione al conservatorio di Atene diplomandosi nel 1903.
Dopo il lutto paterno nel 1905 la famiglia si trasferisce a Monaco di Baviera.
A causa dell’insuccesso delle sue composizioni nel 1911 si trasferì a Parigi dove entrò in contatto con personalità quali Pablo Picasso, Blaise Cendras, Francis Picabia, Jaen Ccocteau, Max Jacob e Guillaume Apollinaire.
Nel 1914 pubblica “Les chants de la mi-mort” per la rivista Les Soirees de Paris utilizzando per la prima volta lo pseudonimo di Alberto Savino.
Nel 1915 torna in italia con il fratello Giorgio e allo scoppio dell prima guerra mondiale vengono arruolati nel 27° reggimento di fanteria a Ferrara, per poi essere trasferito a Salonicco come interprete.
Nel 1923 si trasferisce a Roma dove fu tra i fondatori della ” Compagnia del teatro dell’Arte” diretta da Luigi Pirandello e per la quale scrisse, senza però metterlo in scena, Capitano Ulisse.
Dopo il matrimonio con Maria Morino, dalla quale ebbe due figli, e dopo un altro breve soggiorno a Parigi, nel quale si dedico particolarmente alla pittura, si stabilisce definitivamente a Roma nel 1934.
Collaboro con “La Stampa” e con riviste quali “Colonna” e “Il Bolletto”.
Nel 1938 Andrè Breton publica “Anthologie de l’humour noir” nel qual include anche Alberto Savino (unico italiano).
Forse a causa di un pezzo di satira su Leopardi ( Il Sorbetto di Leopardi ), publicato nel 1939 sul settimanale Omnibus di Leo Longanesi, che gli costò le antipatie del regime, nel ’43 fu costretto a nascondersi avendo appreso che il suo nome era su una lista di sospetti antifascisti.
Europeista convinto, alla fine del conflitto proseguì l’attività di critico culturale sulle colonne del “Corriere della sera”, ottenendo il Premio Saint Vincent per il giornalismo nel 1949.
Lavorò anche come drammaturgo e regista, scrivendo egli stesso opere e drammi per il teatro. Nel 1951 scrisse la “tragicommedia mimata e danzata” Vita dell’uomo, allegoria dell’esistenza umana su una musica ispirata allo stile di Schumann. Nel 1952 propose per il Maggio Musicale Fiorentino una celebre messinscena dell’Armida di Rossini con Maria Callas, curando anche scenografie e costumi.
Morì a Roma il 5 maggio 1952.

Gino Bonichi (Scipione)

Gino Bonichi (noto con lo pseudonimo di Scipione, usato per la prima volta nel 1927 in occasione di un’esposizione all’Opera cardinal Ferrari a Milano) nacque a Macerata il 25 febbraio del 1904. Nel 1919 si trasferì con la famiglia a Roma e nello stesso anno si manifestarono i primi segni della tubercolosi, per cui fu ricoverato in sanatorio, dove rimase fino al 1924.

Le prime opere, collocabili intorno al 1924, sono caricature realizzate per puro divertimento, poi avviene l’incontro con Mario Mafai che lo spinge a frequentare la scuola libera del nudo dell’Accademia di Belle Arti. Il loro maestro è Antonino Calcagnadoro.

L’esordio come pittore avviene in occasione della Biennale romana del 1925.

Nel 1928 Scipione fondò con Mario Mafai, Renato Marino Mazzacurati e Antonietta Raphaël la Scuola romana, detta “Scuola di via Cavour” (così coniata da Roberto Longhi) e che fu il primo nucleo della più famosa “Scuola Romana”.

Nel gennaio del 1929 si apre a Palazzo Doria una collettiva in cui Scipione espone accanto a Aldo Bandinelli, Gisberto Ceracchini, Francesco Di Cocco, Enzo Frateili, Mario Mafai, Andrea Spadini.

Nell’estate del 1929 un lungo soggiorno a Collepardo, nel frusinate, dona a Scipione vigore e maturità artistica.

Il periodo fino alla primavera del 1931 è intensissimo. In poco più di un anno l’artista dipinge i suoi capolavori: dal Risveglio della sirena (1929) e dalla Natura morta coltubino (1929) al Principe cattolico (1929) e alla Meticcia (1929); dai famosi paesaggi romani come Il Ponte degli Angeli (1930), PiazzaNavona (1930), Piazza San Giovanni in Laterano (1930) agli studi (1929) per i ritratti del Cardinal Decano (1929), all’Apocalisse (1930); agli Uomini che si voltano (1930), alla Cortigiana romana (1930).

Espone alle mostre sindacali (1929 e 1930), alla Biennale di Venezia (1930), alla Prima Quadriennale (1931) e nel novembre 1930 tiene una personale con Mafai alla Galleria di Roma di P.M.Bardi. Collabora con disegni e caricature all’ “Italia letteraria” (grazie alla profonda amicizia con Enrico Falqui), immagina copertine di libri, fonda insieme a Mazzacurati una rivista dal titolo battagliero, “Fronte”, che esce in due soli numeri nel 1931.

Muore a Arco di Trento il 9 novembre del 1933 a soli 29 anni.