Mostra IFA Fiera di Bergamo 2026

FRANCESCO HAYEZ DIPINTI E DISEGNI. MASSIMO D’AZEGLIO E LA DISFIDA DI BARLETTA

Intervista in fiera a Marco Fabio Apolloni

UNA MOSTRA DELLA GALLERIA ANTIQUARIA W. APOLLONI DI ROMA con la collaborazione della GALLERIA BRUN FINE ART DI MILANO. ITALIAN FINE ART. FIERA DI BERGAMO.

Dove: Fiera di Bergamo, Padiglione A, Dal 16-25 gennaio

Giorni e Orari:

Venerdì 16 e da Lunedì 19 a Venerdì 23 dalle h 14:00 alle h 19:00. Sabato 17, Domenica 18, Sabato 24, Domenica 25 dalle h 10:00 alle h 19:00

COMUNICATO STAMPA

ITALIAN FINE ART. FIERA DI BERGAMO.

16-25 Gennaio 2026. Padiglione A, stand 62.
Lun.-Ven. 14-19; Sab.-Dom. 10-19.

A Bergamo, all’Accademia Carrara, c’è uno dei più bei quadri di Hayez,
“Caterina Cornaro deposta da Regina di Cipro per ordine della Serenissima”,
commissionata dal bergamasco Frizzoni e acquistata per la Pinacoteca nel
1958. Quando nel 2023 Bergamo è stata Capitale della Cultura, la bellissima
mostra “Tutta in voi la luce mia” celebrava quella straordinaria stagione
politica e culturale in cui Melodramma, passione Risorgimentale e
immaginario pittorico e letterario fecero, letteralmente, l’Italia. E Hayez, come
Verdi, meritavano ovviamente, la parte del leone. A Bergamo, la città che più
di ogni altra ha sacrificato in sangue il costo di mettere insieme questa
nazione nostra che prima nostra non era. E’ in questo contesto di idee che è
stata pensata questa mostra, che sarebbe un’interessante mostra in un
museo pubblico, ed è una mostra eccezionale per due gallerie private come
la W. Apolloni di Roma, e la Brun Fine Art di Milano che hanno deciso di unire
le loro forze presentando opere che fanno parte della gloria artistica
lombarda, nell’augurio che un poco di questa arrivi a trasfondersi nel
presente.

FRANCESCO HAYEZ. DIPINTI E DISEGNI.

Di Francesco Hayez (Venezia 1791- Milano 1882) si presentano, tra le poche
opere ancora in mani private, otto dipinti, tra cui alcuni capolavori
fondamentali. Sarà esposta inoltre una scultura di Alessandro Puttinati
(Verona 1801- Milano 1872) che, dal 1831, produsse in gesso una serie di
statue in piccolo, da scrivania, per celebrare gli artisti e gli scrittori più famosi
di Milano. Quella dedicata ad Hayez, con il pennello e la tavolozza in mano, è
alta poco meno di 37 cm, ma, a vederla, sembra più monumentale del bronzo
a grandezza naturale del buon Francesco Barzaghi che prende pioggia e
neve accanto al Palazzo di Brera.
GIUSEPPE SPIEGA I SOGNI.

Il primo grande quadro in ordine cronologico è una grande tela,
fortunosamente recuperata nel gran mare del mercato antiquario. Ignoto alla
letteratura artistica e dimenticato da Hayez stesso nelle sue Memorie, il
dipinto ha rivelato in pulitura la chiara firma dell’artista per esteso. L’opera
appartiene al primissimo periodo in cui Hayez fu pensionante del Regno
Italico in Palazzo Venezia a Roma (1810-1817) e rappresenta Giuseppe in
carcere che spiega i sogni al coppiere e al panettiere del Faraone.

TETI AFFIDA ACHILLE AL CENTAURO CHIRONE.

Segue in posizione d’onore Teti in atto che dà in educazione suo figlio Achille
al centauro Chirone, che Hayez dipinse a Roma nel 1813, per un concorso a
Napoli su tema dato. Non solo non vinse, ma non venne nemmeno accettato.
A nulla valse la calda raccomandazione di Antonio Canova. Cose che
succedevano a Napoli al tempo di Murat e Carolina…
Ovvio che il dipinto avrebbe vinto a mani basse qualunque concorso: ogni
gruppo di figure rammenta una scultura di Canova, a cui però il colore di
Hayez dà una vita e un’illusione di moto impossibile a qualunque marmo. È
un quadro neoclassico per soggetto, con memorie della pittura di Pompeo
Batoni e degli affreschi pompeiani, ma in cui Hayez è già l’artista che sarà:
basta guardare la ninfa seminuda che in basso a destra si china a raccogliere
una lancia. È già sorella, per vivacità di carne, delle romantiche e sensuali
bagnanti che dipingerà più tardi a Milano.

IL RITRATTO DI UN AMICO

Marco Alvise Bernardo (1789-1868), conte, dell’antica famiglia veneziana che
possedeva Ca’ Bernardo, e una villa ad Altivole vicino Asolo, dove pare
Canova fu ospite. Aveva su per giù l’età di Hayez e sappiamo che furono
amici, Marco Alvise era infatti anche lui pittore, dilettante perché nobile, e
aveva a lungo vissuto a Roma per studiare l’arte. La sua opinione sui quadri
antichi era stimata nella Venezia dell’800, e forse, da nobiluomo, ne faceva
anche un po’ commercio. Il ritratto che ne ha fatto Hayez attorno al 1820, alla
prima, è uno studio che ha il fascino del non finito, forse prodromo di un
ritratto da fare che non sappiamo se fu fatto mai, o piuttosto per un ritratto di
coppia o di gruppo, poiché il ritrattato guarda in basso, forse ad altra persona
seduta. È appunto questa naturalezza dell’atteggiamento, diverso da quello
di una posa ufficiale, che lo rende più vivo e meglio evidenzia l’arte di Hayez
nel dar vita ai suoi soggetti.

UNA MADDALENA IMPENITENTE

La Maddalena nuda nel deserto è sempre stato un pretesto felicemente
ipocrita per fornire una devota scusa agli amatori dell’arte e della bellezza
femminile. Fulminato dal geniale esempio di Canova che scolpì la sua
meravigliosa Maddalena penitente per il banchiere Sommariva, Hayez
dipinse una serie eccezionale di nudi femminili, incantevoli ritratti delle sue
modelle, in posa come l’antica peccatrice di Magdala ritiratasi a vita
eremitica. Qui se ne presenta un delizioso esempio, una tavola che la
rappresenta dalla vita in su, che ha il sapore di un quadro antico da
collezione, ma rappresenta, ben riconoscibile, la sua famosa amante
Carolina Zucchi. È un perfetto dipinto di devozione certamente, ma carnale e
sentimentale, forse dipinto per sé stesso o destinato proprio alla sua amata
modella.

REBECCA, DALL’IVANHOE DI WALTER SCOTT.

I Soggetti tratti dall’Ivanhoe di Walter Scott, del 1828, ebbero un successo
straordinario: le litografie, disegnate su pietra da Hayez stesso, edite dalla
Libreria di Giuseppe Vassalli, hanno la grana di un disegno e la virtù della
mano del disegnatore è perfettamente conservata. Tra tutte la preferita era
proprio quella che ritraeva l’eroina Rebecca, come una “Santa o una Sibilla
del Reni o del Domenichino” (Mazzocca), gli occhi al cielo testimone delle
sue sventure, in quell’atteggiamento di sovrana pazienza che è solo una delle
tante virtù del personaggio. Bozzetto dipinto per la litografia, o memoria
abbozzata dal disegno trasformato in preziosa miniatura, il piccolo quadro di
Hayez è testimone di una voga, nata dal primo romanzo storico romantico,
che influenzò pittori, scultori, e persino Manzoni che rivestì l’ebrea Rebecca,
modello di virtù e verecondia, nei panni di Lucia Mondella.

UNA TESTA TAGLIATA.

È un quadretto di piccole dimensioni, ma grandissimo per potenza
drammatica e adesione al vero. Rappresenta infatti una testa umana
decapitata dal busto, a tutta apparenza quella di un giustiziato alla
ghigliottina, dipinta dal vero, con fare veloce sicuro. Una simile pittura, di un
orrido che qualche anno prima solo Géricault aveva osato dipingere, ma non
esporre, fu presentata da Hayez all’Esposizione di Brera del 1832. Sul blocco
di legno dove giace la testa, vi è dipinto lo stemma della Repubblica Veneta,
e una scritta dipinta sul bordo del drappo bianco su cui spicca la testa recita:
“Generale Carmagnola Tragedia”. È quella scritta dal Manzoni, pubblicata nel
1820, tanto lodata da Goethe, e rappresentata senza successo nel 1828.
Dramma generoso di intenti e grondante carità di Patria, che però un poco
male si attaglia alla vera figura di Francesco Bussone, capitano di ventura di
primo Quattrocento e geniale tattico dai clamorosi successi, che fu al servizio
prima dei Visconti e poi di Venezia, e che probabilmente si stava preparando
davvero a cambiare di nuovo cavallo, come sospettavano i veneziani.

Manzoni riuscì quasi a farne un martire innocente dell’italianità
risorgimentale. Hayez invece ritrasse dal vero la testa tagliata di un brigante
o di un carbonaro romano, dipinto che tra l’altro era nella collezione di un alto
papavero papalino che era stato suo compagno di bisbocce in gioventù.

LA SETE DEI CROCIATI

Questo è il primo bozzetto per La Sete dei Crociati sotto le mura di
Gerusalemme, del 1838, per il grandissimo, smisurato quadro (metri 3,63 x
5,89) che al Palazzo Reale di Torino arrivò solo dodici anni dopo, nel 1850,
quando il suo committente, re Carlo Alberto, aveva già perso rovinosamente
la sua crociata ed era morto in esilio. L’affollatissima composizione, a cui fa
da sfondo una Gerusalemme davvero fiammeggiante sotto la canicola,
prende spunto da un poema di grande successo d’allora, I Lombardi alla
Prima Crociata, di Tommaso Grossi, del 1826, con la cui prima tiratura
l’autore, prima alloggiato a casa Manzoni come segretario e amico, poté
permettersi di comprare una casa sul lago. Mentre Hayez dipingeva,
Giuseppe Verdi trasformava la trama romanzesca di Grossi nella travolgente
opera lirica che con lo stesso titolo doveva strappar fama al poema,
divenendo una delle colonne sonore del nostro Risorgimento.

GIOAS RE A SETTE ANNI

Teatrale è anche l’ispirazione del Gioas proclamato re nel tempio di
Gerusalemme, replica autografa dello stesso soggetto che costituisce una
delle più preziose gemme del Museo Revoltella di Trieste. Acquistato
recentemente all’asta a Vienna, dove passava come “anonimo artista
storicista del XIX secolo”, questo dipinto è stato pubblicato ed esposto per la
prima volta da Fernando Mazzocca ed Elena Lissoni in occasione della
mostra Hayez. L’officina del pittore romantico alla Galleria d’Arte Moderna di
Torino, nel 2023-24.
La storia, tratta dal libro dei Re della Bibbia, racconta di Gioas, bambino
incoronato e unto re di Giuda a sette anni dal gran sacerdote Ioadada. Il
bambino era stato nascosto infante nel tempio, scampando così alla strage di
tutta la famiglia reale ordinata dalla regina Atalia, vedova del re Ioram e
nonnastra dello scampato, che regnò così sola per sei anni sul regno di
Giuda. Quando il popolo vide il bambino incoronato, si ribellò contro la
sanguinaria usurpatrice, oltreché idolatra e per metà fenicia, visto che era
figlia della malfamatissima Gezabele. Venuta ad interrompere la cerimonia,
essa fu catturata, portata via e trucidata fuori del sacro recinto. Hayez la
raffigura a terra in fondo a destra, appena visibile nella sua veste ocra, in
mezzo a un concitato gruppetto d’uomini in cui mal si distingue chi l’afferra,
chi la vuol tormentare con una lancia, tra due guardie armate che erano
probabilmente la sua scorta, ma ora si guardano bene dall’intervenire.

STUDI PER LA DISTRUZIONE DEL TEMPIO DI GERUSALEMME.

Il quadro che Hayez stesso lasciò da vivo come eredità alle Gallerie
dell’Accademia della sua amata Venezia, raffigurante l’ultimo atto dell’assedio
di Gerusalemme da parte delle truppe di Tito è stato dipinto dal 1860 al 1867,
iniziato quando l’Italia era già cosa fatta ma finito solo un anno dopo che
Venezia fu unita all’Italia. L’analisi precisa di un quadro di così grande
importanza merita una ben più ampia meditazione: metafora dell’assedio di
Venezia del ’49? Meditazione sul destino del popolo ebraico? Certo è che
quello della fine del Tempio fu uno dei dipinti a cui Hayez lavorò con più
passione e cura, a riprova sono i disegni preparatori, due dei quali qui si
presentano.

AUTORITRATTO DI HAYEZ

Fino all’estrema vecchiezza Hayez prodigiosamente dipinse e disegnò. In
questo disegno tracciò un autoritratto quasi fantasmatico, circondato, nella
montatura che lo racchiude, da antiche fotografie che lo ritraggono in varie
pose e vari momenti della sua vecchiezza. Il disegno sembra sfidare l’infida
nuova arte del dipingere con la luce, e uscire dalla gara vincitore.
A completare il clima artistico risorgimentale dell’epoca sono esposte opere
di due altri autori contemporanei, Carlo Arienti (1801-1873), oggi troppo
misconosciuto, che divenne impegnato pittore di storia e professore a Torino
e a Bologna, nonché pittore di corte di Vittorio Emanuele II, e il molto più
famoso Massimo d’Azeglio (1798-1866), scrittore di successo e primo
ministro del Regno di Sardegna, che cominciò la sua carriera di grande
italiano come bizzarro aristocratico torinese datosi per capriccio e istinto
anticonformista alla pittura di paesaggio. Del primo un bozzetto e un disegno
giovanili ancora neoclassici, del secondo una rara e intatta versione dell
“Disfida di Barletta”, auto-illustrazione in cui il marchese pittore ispira il
marchese romanziere che inventò una storia, anzi un aneddoto della storia
italiana, facendo diventare un gran fatto nell’immaginario collettivo nazionale
e nelle pagine dei libri di storia per generazioni e generazioni di piccoli
italiani.
In omaggio a Bergamo, si espone anche un bellissimo autoritratto di
Giacomo Trecourt.

LISTA ILLUSTRAZIONI DIPINTI E DISEGNI DI FRANCESCO HAYEZ:

Giuseppe interpreta i sogni, c.1811, olio su tela, cm 97,5×136.
2) L’educazione di Achille, 1813, olio su tela, cm 115×145. Cornice originale.
3) Testa tagliata del conte di Carmagnola, 1834, olio su tela, cm 33,5×41,5.
Cornice originale.
4) La sete dei crociati, 1838, olio su tela, cm 58×89,5.
5) L’Incoronazione di Gioas, 1840 ca., olio su tela, cm 84×108. Cornice
originale.
6) Ritratto di Marco Alvise Bernardo, 1820 ca., olio su tela riportato su tavola,
cm 27×19,5.
7) Maddalena penitente (Ritratto di Carolina Zucchi come Maddalena), 1822
ca., olio su tavola, cm 33,5×29.
8) Dipinto raffigurante Rebecca, 30,5×23.

9) Autoritratto, 1881 ca., matita e carboncino su carta di recupero, cm
13×13,9.
10) Giacomo Trecourt, Autoritratto,

BAF E IFA APRONO IL 2026 DELL’ARTE A BERGAMO
Presentate in Fiera la 21ª edizione di Bergamo Arte Fiera e la 9ª di Italian Fine Art

Bergamo, 8 gennaio 2026 – Inizio d’anno all’insegna dell’arte con Bergamo Arte Fiera (BAF) e Italian Fine Art (IFA), i due appuntamenti che confermano la Fiera di Bergamo come punto di riferimento nel panorama nazionale delle manifestazioni artistiche: la 21ª edizione di BAF, dedicata all’arte moderna e contemporanea, e la 9ª edizione di IFA, rivolta all’arte antica e all’alto antiquariato, sono state presentate nella mattinata di giovedì 8 gennaio nella Sala Colleoni del polo espositivo di via Lunga.

Dal 16 al 18 gennaio le due rassegne si svolgeranno in contemporanea sui 16.000 metri quadrati dei padiglioni A e B, dei foyer e della Galleria centrale della Fiera di Bergamo, offrendo ai visitatori un percorso che attraversa, grazie alla presenza di oltre 200 realtà espositive, più di sei secoli di storia dell’arte, dal Quattrocento all’arte contemporanea tra dipinti, sculture, fotografie e design. IFA proseguirà poi fino a domenica 25 gennaio.

Ad aprire i lavori Davide Lenarduzzi, amministratore delegato di Promoberg Srl, affiancato dagli interventi di Alessandra Gallone, consigliera delegata del Ministro dell’Università, della Ricerca e dell’Alta Formazione Artistica Anna Maria Bernini (in collegamento), Sergio Gandi, vicesindaco e assessore a Cultura, rapporti con l’Università, bilancio, tributi e commercio del Comune di Bergamo, e dagli approfondimenti di Carlo Conte, project manager BAF e IFA. Sono inoltre intervenuti Sergio Radici, responsabile eventi collaterali, Ettore Favini, vicedirettore del Politecnico delle Arti di Bergamo con delega all’Accademia di Belle Arti, e Claudia Scalise e Saimir Cuko, allievi del Politecnico delle Arti di Bergamo, che hanno presentato il progetto performativo Il Negozio di Niente.

«Con BAF e IFA – ha spiegato Davide Lenarduzzi, amministratore delegato di Promoberg – la Fiera di Bergamo consolida un progetto culturale che negli anni è cresciuto in qualità, autorevolezza e capacità di dialogo con il territorio, testimoniata quest’anno dalla collaborazione con il Politecnico delle Arti di Bergamo. Due manifestazioni complementari che raccontano oltre sei secoli di storia dell’arte e che rendono Bergamo un punto di riferimento nazionale per operatori, collezionisti e pubblico».

Alessandra Gallone, consigliera delegata del Ministro dell’Università, della Ricerca e dell’Alta Formazione Artistica Anna Maria Bernini, intervenuta in collegamento, ha detto: «Bergamo Arte Fiera e Italian Fine Art rappresentano un esempio virtuoso di dialogo tra epoche, linguaggi e saperi. In un unico spazio convivono sei secoli di storia dell’arte, dall’antico al contemporaneo, offrendo al pubblico e soprattutto ai giovani un’esperienza culturale completa, capace di connettere tradizione, ricerca e creatività. La presenza attiva del Politecnico delle Arti di Bergamo e dei suoi studenti testimonia quanto sia fondamentale investire sulla formazione artistica come luogo di crescita, sperimentazione e visione. È anche attraverso appuntamenti come questo che si rafforza il legame tra formazione, territorio e futuro, valorizzando il ruolo centrale dell’arte come strumento di conoscenza, partecipazione e innovazione».

«L’apertura del 2026 con Bergamo Arte Fiera e Italian Fine Art – ha affermato Sergio Gandi, vicesindaco e assessore a Cultura e Commercio del Comune di Bergamo – rappresenta per la città un appuntamento di particolare rilievo, capace di restituire con chiarezza la centralità della cultura nel progetto di sviluppo di Bergamo. Queste manifestazioni esprimono una visione ampia e inclusiva dell’arte, che attraversa i secoli e unisce linguaggi, e testimoniano la forza di una collaborazione virtuosa tra istituzioni, mondo fieristico e sistema della formazione artistica. È in questa rete di relazioni che la cultura diventa patrimonio condiviso, occasione di crescita civile e strumento di attrattività per il territorio».

«BAF e IFA – ha spiegato Carlo Conte, project manager delle due manifestazioni – sono pensate come un unico grande racconto dell’arte, capace di tenere insieme epoche, linguaggi e pubblici diversi. La forte crescita delle richieste di partecipazione a BAF, l’attenzione ai contenuti culturali e la presenza a IFA, confermata anche per questa edizione, della commissione di esperti indicata da FIMA per la procedura di vetting a garanzia dell’autenticità delle opere, testimoniano la solidità di un progetto che continua a evolversi».

Il palinsesto di eventi

Ricco e articolato il programma di incontri, conferenze, mostre ed eventi, ospitati nell’area talk allestita nella Galleria centrale. Tra i temi affrontati: il futuro dell’arte e il digitale con Sergio Curtacci, il ruolo degli archivi d’artista con Marco Farano, Filippo Tibertelli De Pisis, Marilena Pasquali e Alessandra Donati, l’arte contemporanea con Sergio Mandelli, il rapporto tra intelligenza artificiale e arte con Raffaele Schiavone, il restauro con Loredana Plazzoli, un focus sul Conservatorio Luigi Cherubini di Firenze con Roberto Messina e un incontro dedicato al welfare culturale con Maria Teresa Azzola.

Ad accogliere i visitatori saranno le installazioni di Carlo Ramous, Walter Patscheider ed Elvino Motti. Il percorso espositivo comprende inoltre la mostra fotografica Cosmic explosion series di Mauro Ceresa, le aree dedicate a Francesco Hayez e Giuseppe Milesi e il percorso Bernardi, Cantoni, Giussani, Lazzar, Milli, Parasecolo e l’intarsio moderno presentato dalla Rassegna Nazionale degli Intarsiatori Lignei, progetto culturale decennale ideato da Francesco Lazzar e Federico Martinelli, a testimonianza dell’evoluzione dell’intarsio dal Novecento a oggi e della sua piena appartenenza al linguaggio dell’arte contemporanea.

Per la prima volta BAF avvia una collaborazione con il Politecnico delle Arti di Bergamo e l’Accademia Carrara, che presentano un programma di performance artistiche e musicali a cura dell’artista e docente Marcella Vanzo. Al centro il progetto Il Negozio di Niente, ospitato nello stand Numero 0, spazio performativo ispirato a Mondrian, affiancato dalla Scatola Nera per performance più intime. Il calendario prevede l’attivazione del Negozio da parte degli studenti dell’Accademia e un ricco programma musicale, tra classica, jazz e cantautorato, distribuito lungo l’intero periodo delle manifestazioni.

Il biglietto unico (intero a 15 euro, ridotto a 8 euro, gratuito per minori di 12 anni e con agevolazioni per invalidi e accompagnatori) consente di visitare entrambe le manifestazioni, con apertura pomeridiana (ore 14-19) nei giorni feriali e orario continuato nei weekend (ore 10-19).

Per maggiori informazioni:
www.bergamoartefiera.it
www.italianfineart.eu

Ufficio stampa Fiera di Bergamo

Martina Cerea

+39 348 9804592

pressfieradibergamo@gmail.com

ufficiostampa@studiobelive.com

FRANCESCO COGHETTI, DIPINTI, BOZZETTI E DISEGNI INEDITI, IFA Italian Fine Art 2025 Bergamo

Francesco Coghetti (Bergamo, 1802 – Roma, 1875). Dipinti, bozzetti e disegni inediti

STAND 62 IFA Italian Fine Art 2025
10-19 Gennaio 2025, Fiera di Bergamo – pad. A

Nell’ambito della Fiera d’Arte Antica di Bergamo, Marco Fabio Apolloni, titolare dell’antica galleria antiquaria W. Apolloni di Roma, ha voluto partecipare per portare a Bergamo un piccolo ma significativo contributo alla conoscenza di un grande pittore bergamasco dell’800, Francesco Coghetti (Bergamo 1802- Roma 1875) che a Roma si trasferì a poco meno di vent’anni nel 1821, divenendo nel corso della sua lunga carriera onorata da numerosissime e prestigiose committenze, caposcuola della pittura della Roma pontificia – avendo come solo rivale l’amico e collega anconetano Francesco Podesti (1800-1895) – dal regno di Gregorio XVI fino alla fine del potere temporale di Pio IX, quando Roma divenne italiana.

Pittore di storia, di monumentali pale d’altare, frescante capace e di grande respiro, ma anche ritrattista sensibile fino a raggiungere effetti di toccante verità, Coghetti lavorò a lungo alle imprese del principe Torlonia, il più fastoso mecenate di Roma, al Palazzo di piazza Venezia e al Teatro Apollo, purtroppo perduti, e alla Villa sulla Nomentana, salvata per fortuna in extremis da un colpevole degrado che rischiava di far sparire un autentico gioiello del gusto artistico del tempo. Nel campo delle grandi committenze ecclesiastiche Coghetti eseguì due delle maggiori pale per la ricostruita Basilica di S. Paolo fuori le Mura e un ciclo d’affreschi smisurato per la Cattedrale di Savona. I suoi quadri arricchirono le collezioni della grande nobiltà italiana, come la regina di Sardegna per il castello di Agliè, e partirono anche per l’Inghilterra e per la Russia, dove finora però, se n’è persa la traccia.

Nondimeno egli non perse mai contatto con la sua città natale, tornandovi spesso, e lavorandovi a grandi opere, come la cupola del Duomo affrescata per ben due volte di seguito – i primi affreschi si guastarono per problemi statici della costruzione – ma anche costellando il bergamasco di eclatanti pale d’altare ogni volta esposte in città prima della definitiva collocazione, con plauso ed entusiasmo generale. Tanto era lo zelo dell’artista nel farsi onore nella patria dove si era formato – all’Accademia Carrara assieme al Piccio – tanto si lusingava la città di avere come concittadino un gran maestro che si faceva onore a Roma. Ricordiamo la pala di S. Michele in Arco, la Presentazione di Gesù ad Almenno S. Bartolomeo, L’Assunta di Calcinate o la S. Felicita della Parrocchiale di Ranica. Anche nel ritratto egli rendeva omaggio a Bergamo e ai più illustri suoi figli: il grande Donizetti che fu suo amico e con cui mangiava a Roma polenta e osei, il Cardinale Mai filologo di fama europea, un altro paio di Cardinali oggi dimenticati, e poi non ultimo lui stesso, nell’autoritratto di cui fece dono al Municipio.

Morto artisticamente quando era ancora vivo, nel 1870, malamente umiliato dal nuovo Governo italiano che lo depose dalla carica di Presidente dell’Accademia di S. Luca, Coghetti non merita però la dimenticanza che ancora oscura il suo nome e la sua pittura. Allievo e maestro d’accademia, lontano da Milano che fu la fucina del Romanticismo italiano, nella Roma del Papato restaurato due volte, dopo le prepotenze di Napoleone e dopo il sangue della Repubblica Romana, Coghetti non poteva dipingere se non come ha dipinto, cambiando il rigido neoclassicismo del suo maestro Camuccini in una sorta di maniera neoseicentesca che ben si accordava all’altrettanto rigido immobilismo dell’ortodossia cattolica, al suo misoneismo – odio del nuovo – in ogni campo. In questa maniera egli però seppe infondere l’impegno della sua maestria, la capacità di un fare monumentale, che lo accomuna ai grandi “pompiers” dell’800 francese, come l’ormai riscoperto e di nuovo celebrato Bouguereau. Nei disegni, nei bozzetti, freme ancora quell’affascinante indeterminatezza che egli apprese disegnando spalla a spalla con il Piccio, amico fraterno, con il quale entrò assieme alla Carrara, Coghetti a 15 anni, quattro di meno l’altro: da quel momento ogni anno vinsero assieme tutti i premi dell’Accademia, ma paradossalmente progredì fino al genio quello che rimase in provincia, non quello che partì per la culla delle arti, l’eterna Roma, dove però si dipingevano solo romani antichi, Madonne e briganti e contadine laziali.

Se si pensa che in questi ultimi decenni tanti artisti dimenticati sono stati disseppelliti dall’oblio e resuscitati in grandi mostre, mentre Bergamo non ha mai pensato a dedicarne una a Francesco Coghetti, questo piccolo omaggio della galleria W.Apolloni vuole avere anche un intento di stimolo e di bonaria provocazione.

Tra le opere esposte si comincia con un precocissimo saggio di ritrattistica, un raro scorcio di vita quotidiana degli artisti a Roma, dipinto da Coghetti in breve tela raffigurando un gruppo di nove amici in un Caffè romano, dove in una sera del 1829 Coghetti immortalò se stesso mentre si accende il sigaro su un piccolo braciere, mentre in primo piano è ritratto Antonio Bianchini (1803-1883), singolare figura di miniaturista, pittore restauratore, filologo della patristica greca, e alfiere del purismo in arte e in letteratura. Accanto a lui si riconosce Ottavio Gigli, educatore e collezionista di memorie michelangiolesche, forse Francesco Podesti, ed altri sei ancora da identificare con certezza. Si spera che l’esposizione del dipinto raccolga suggerimenti utili da parte degli studiosi. Sempre Coghetti appare da solo, in piena evidenza, come riflesso in uno specchio, attraverso il secolo e mezzo che ci separa da lui, in un bellissimo autoritratto: ha tra i sessanta e i settant’anni ma la qualità della pittura e il piglio con cui tiene la sua tavolozza ci mostrano l’invidiabile vigore di una vecchiaia non doma, anche se un pò risentita.

Della sala di Alessandro affrescata a Villa Torlonia sulla Nomentana, vi è solo uno schizzo su carta di una delle scene che ne compongono la decorazione, illustrando le gesta del grande conquistatore macedone. In questo foglio Alessandro, ancora adolescente, doma l’indomabile cavallo Bucefalo quasi prefigurando la futura conquista dell’Asia. E’ da questo ciclo che Coghetti trasse ispirazione per un grande quadro ad olio che rielabora una delle scene già dipinte a fresco: Alessandro e il medico Filippo, in cui si rappresenta il conquistatore malato che ha bevuto la medicina somministrategli dal suo medico, mentre questi legge la lettera in cui si avvertiva Alessandro che lo stesso medico era stato corrotto affinché lo avvelenasse. Alessandro era sicuro che fosse una calunnia, ma volle così dare un’esemplare dimostrazione di coraggio e di fiducia, almeno secondo i biografi. Il quadro del tutto inedito e ignoto alle fonti, appare non interamente completato in qualche dettaglio, perfetta è però la vigorosa resa dei caratteri dei personaggi rappresentati.

Di questo stesso periodo è un disegno di estrema finitezza di una toccante Fuga in Egitto, forse preparatorio di un dipinto disperso in Inghilterra.

Di poco successivo il modellino-bozzetto della pala del Martirio di S. Lorenzo, commissionata a Coghetti per la Basilica di S. Paolo fuori le Mura. Il quadro, molto diverso, fu completato oltre dieci anni dopo.

Diversa dal disegno preparatorio che si espone dell’Ascensione di Cristo è anche la pala che fu effettivamente realizzata per il Duomo di Porto Maurizio, consegnata nel 1847.

Segue il bozzettino per Gli ultimi istanti di Ludovico Martelli morente, preparatorio per un grande quadro ora nei depositi della GNAM di Roma, acquistato nel 1849 dal Principe Sant’Antimo. Martelli fu lo storico protagonista di un famoso duello che si tenne il 12 marzo 1530, durante l’Assedio di Firenze, dove si affrontarono – però per questione di una donna – medicei e repubblicani. Episodio e personaggi che diedero materia al patriottico romanzo di F. D. Guerrazzi, L’Assedio di Firenze, e a quello di Agostino Ademollo, Marietta de’ Ricci, celebrati in quegli anni di rivoluzione, ma oggi quasi del tutto dimenticati.

Un altro bozzetto compendia in succose pennellate la monumentale macchina compositiva che è la pala di Ranica, del 1857, raffigurante la leggenda cristiana di S. Felicita e l’uccisione dei suoi sette figli, ri-narrazione cristiana del biblico martirio dei Maccabei. Un “Grand Guignol”, appena temperato dal misurato seicentesimo del pittore.

Un bozzetto e un disegno sono invece relativi alla decorazione di una cappella dei Padri Passionisti per l’antica Basilica di S. Giovanni e Paolo a Roma: il bozzetto a olio si presenta come un ex-voto, dove, anche se l’abilità accademica scaccia qualunque sospetto di ingenuità popolare, si percepisce, nel narrare il sovrannaturale, un effetto quasi surreale.

Infine un disegno finissimo e uno schizzo rappresentano la Conversione di Saulo sulla via di Damasco, una pala che Coghetti non fece mai, ma alla cui realizzazione forse concorse, facendosi superare dal vecchio suo maestro Camuccini, per S. Paolo fuori le Mura.

Opere esposte:

1) Ritratto di gruppo di artisti in un Caffè. Francesco Coghetti, Antonio Bianchini, Ottavio Gigli e altri sei personaggi, 1829, olio su tela, cm 33 x 41,5. Firmato e dedicato “All’amico Bianchini 1829”.

2) Studi di figure e angelo, penna su carta, cm 13,5×19.

3) Alessandro doma Bucefalo, penna e inchiostro acquarellato su carta, cm 24,7 x 34. Schizzo per l’affresco della Sala di Alessandro a Villa Torlonia in via Nomentana a Roma, 1835-39.

4) Alessandro e il medico Filippo, 1840 ca., olio su tela, cm 158 x 227.

5) Riposo durante la fuga in Egitto, 1844, matita, acquerello e biacca su carta, cm 26 x 35. Firmato e datato.

6) Il Martirio di San Lorenzo, olio su tela, cm 42,3 x 23,5. Bozzetto per la pala nella Basilica di S. Paolo fuori le Mura, 1845-50.

7) Ascensione di Cristo, penna, biacca e acquarello su carta, cm 37,5 x 21,9. Studio preparatorio per L’Ascensione di Cristo per il Duomo di Porto Maurizio (Imperia), 1847.

8) Ludovico Martelli ferito a morte prende congedo da Marietta de’ Ricci, olio su tela incollato su cartone, cm 14,5 x 19,5. Bozzetto per il dipinto del 1848-49, Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna.

9) Martirio dei sette figli di S. Felicita, olio su tela incollato su tavoletta, cm 36,5 x 23. Bozzetto per la pala d’altare della Parrocchiale di Ranica (BG), 1857.

10) Un angelo appare nella stanza di un infermo, olio su tela, cm 33,7 x 67. Bozzetto per SS. Giovanni e Paolo, 1857-60.

11) Schizzo quadrettato per la lunetta di una cappella, con angeli e il Sacro Cuore di Cristo, 1857-60, matita su carta, cm 17,5 x 28.

12) S. Paolo cade da cavallo, 1859, disegno preparatorio, penna, acquerello marrone e biacca su carta, cm 25,7×35,3. Firmato e datato.

13) S. Paolo cade da cavallo, schizzo a matita su carta, cm 16 x 24.

14) Autoritratto con la tavolozza, 1862-70, olio su tela, cm 80,4 x 66.

15) Bozzetto per la pala di S. Felicita della Parrocchiale di Ranica (BG), 1834, olio su carta, cm 39,5 x 25,5. Dedicato in basso a destra “Coghetti all’amico Miglio, nella partenza da Roma”. Sul retro scritta autografa “S. Felicita. Coghetti dato in dono ad Andrea Miglio […] Coghetti lì 13 agosto 1835”.

Fab Paris 2024

Amart 2024, Palazzo della Permanente, dal 6 al 10 novembre, stand 25

From FAB Paris 2023

Achille Funi ‘900 classico e rinascimentale. Dipinti, disegni e cartoni

Brafa 2023, 29 january – 5 february, Brussels expo

Apolloni has been in the art business for three generations and is one of Rome’s oldest and most illustrious antiques shops, selling many masterpieces to museums in Italy and abroad. After almost half a century the gallery has moved from Via del Babuino to the main ground floor rooms of the famous Palazzo Patrizi in Via Margutta 53b, Rome’s most artistic street. The building was constructed to house studios for artists and was where Picasso worked when in Rome in 1917. It is also where the British Academy was housed until 1937. The spacious rooms with their high ceilings and tall windows are ideal for displaying art, while the secret garden at the back, full of classical fragments and covered in ivy, unquestionably makes this one of the most beautiful galleries in Rome.

Founded : 1929

Specialisations

17th-19th century paintings, drawings, sculpture and works of art

Associations

A.A.I. Associazione Antiquari d’Italia

Fairs

FIERA ANTIQUARIA CITTÀ DI MODENA, Frieze Masters – London, Biennale Internazionale di Antiquariato di Roma, FlashBack Torino, Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze, WopArt Lugano

Salon du dessin 2023, from March the 22nd to the 27th

Directed by Marco Fabio Apolloni, the gallery has existed for three generations. During its successful history, it has sold many masterpieces to museums in Italy and abroad.

In 2012, Marco Apolloni and his wife founded Galleria del Laocoonte, presenting works by 20th century Italian artists through exhibitions in their gallery in Rome, fairs in Europe and even in museums.

Seven years later, they opened the Laocoon Gallery in London, presenting not only the best examples of paintings and drawings by Italian Old Masters, sculptures, fine art and furniture, but also works by early 20th century Italian artists, many of whom are completely unknown to the international market. In 2019, they opened a new space in Rome (Gabinetto dei disegni, via Margutta 53B) dedicated to exhibitions of works on paper from old masters to 20th century artists.

Roma Arte in Nuvola 2022

ARTE IN NUVOLA

DAL 17 AL 20 NOVEMBRE 2022
STAND A37-39

La Nuvola Viale Asia 40/44 – Roma (EUR)
17 novembre – dalle 15:00 alle ore 20:30 18-19-20 novembre – dalle ore 10:30 alle ore 20:30

La Galleria del Laocoonte presenta un “nuovo” Augusto, il capolavoro di Partick Alò. In questa seconda edizione della fiera romana “Arte in Nuvola” (17-20 novembre 2022) la Galleria del Laocoonte (Roma/Londra) ha il singolare privilegio di poter esporre un’opera monumentale, appena in tempo finita, dello scultore Patrick Alò. L’artista romano, talentuoso assemblatore di rottami metallici che ridanno un’altra vita alle statue classiche dell’antichità di uomini e dei, che assumono così l’aspetto di automi o organismi cibernetici, si è misurato da par suo con la trionfale scultura dell’Augusto “loricato” (cioè con corazza), o Agusto di Prima Porta, scoperto nel 1863 nel sito della Villa di Livia – Livia Drusilla, moglie e poi vedova del primo imperatore di Roma e madre di Tiberio – ora tra i massimi capolavori conservati ai Musei Vaticani. Come quella antica in marmo pario, la scultura di Patrick Alò supera i due metri, quasi tre compreso il piedistallo, raggiungendo così la stessa superumana maestà dell’originale classico, volutamente ispirato al “Doriforo” (“Portatore di lancia”) del maestro del canone ideale e dell’equilibrio del “contrapposto”, il venerato maestro greco del V secolo, Policleto. Al tempo della sua scoperta, l’Augusto di marmo stupì i contemporanei poiché essa recava ancora, ben visibili, le tracce della sua originaria policromia: rossi il mantello e la tunica, decorati d’azzurro le fasce di cuoio alle spalle sotto la vita, colorati gli occhi, le labbra e i capelli. Una palese contraddizione rispetto all’uniforme candore della scultura neoclassica. Patrick Alò ha rimeditato la policromia antica, spruzzando d’un rosso di minio il panneggio del mantello militare dell’Imperatore, fatto di lamiera d’automobile contorta dal ragno dello sfasciacarrozze. Bianca come un elettrodomestico è la tunica sotto la corazza e sporcati d’oro i tondini di ferro nervato che costituiscono le frange delle spalle e quelle che cadono giù dalla cintola di Augusto. La corazza è invece assemblata con rottami d’acciaio, come a sottolineare l’assoluta invulnerabilità del sommo comandante militare dell’Impero, privo delle figurazioni simboliche a rilievo che ornano la scultura antica originale, la cui minuziosità avrebbe inutilmente appesantito l’anatomia essenziale della lorica “musculata”, che nella creazione di Alò trasforma l’antico “imperator” in un futuribile guerriero spaziale. Il corpo tutto di spoglie meccaniche di ferro è esso stesso come un’armatura articolata, in cui la carne si fa macchina e le naturali articolazioni meccanismo, trasfondendo nel corpo umano del combattente romano all’arma bianca tutto lo stupefatto orrore della guerra moderna. Patrick Alò non è partito da una riflessione ideologica sulla natura del potere assoluto, ma misurandosi con l’opera antica attraverso il suo metodo artistico, quello cioè di ricreare il modello classico usando le “disjecta membra” (parti disperse, in latino) della nostra civiltà tecnologica, ha ottenuto un “imperator” fatalmente mutato in “terminator”, macchina crudele che di umano ha solo l’aspetto esteriore, capace di coniugare la “summa auctoritas” che essa simboleggia, con la “summa iniuria” di cui solo il sommo potere è capace. Tutto ciò è concentrato in quel sottile e rigido scettro d’acciaio che Agusto tiene con la sinistra leggermente appoggiato sulla spalla, che tanto rammenta quello che Foscolo cantò nei Sepolcri, spogliato nudo dagli allori della retorica cortigiana, grondante del sangue e delle lacrime dei sudditi soggetti. Un monito ben valido ancor oggi. La verità del nudo di donna attraverso gli occhi degli artisti del Novecento italiano. La verità è nuda ed è donna, l’ha detto per primo in greco il filosofo scettico Pirrone – che da giovane pare avesse fatto il pittore – e tale l’hanno rappresentata Botticelli e Bernini, tanto per nominare solo due grandi tra gli antichi italiani, o in tempi più recenti Gerôme e Klimt. La Galleria del Laocoonte sta preparando per il 2023 una mostra sul nudo di donna nell’arte del Novecento italiano, che si intitolerà “Nude”, proprio per dimostrare in questi tempi di diffuso e confuso puritanesimo, che la nudità è verità, e che la verità è sempre bellezza. Che il corpo della donna è più bello senza veli, perché la bellezza della verità è sempre un disvelamento e non un coprire, e che la vergogna è paura della verità, come ben seppero i nostri primi progenitori Adamo ed Eva. Di questa mostra si è voluto ammannire un assaggio, anticipare una scelta, per i visitatori di “Arte in Nuvola”, appendendo su un’unica parete, uno accanto all’altro, tre capolavori del ‘900 italiano: l’audace “Nudo di donna con mantello nero” di Virgilio Guidi del 1914, il monumentale “Nudo di ballerina dormiente” di Primo Conti del 1926 e il poeticissimo “Sogno”, del 1936, di Nino Bertoletti. Virgilio Guidi (Roma, 1891-Venezia, 1984) espose questo nudo alla IIIa mostra della Secessione Romana del 1915, mostrando un’audacia di soggetto e di espressione che mostrano una precoce aderenza alle più avanzate avanguardie artistiche dell’epoca. Un’audacia che sembra personificata ai limiti della divertita impudenza dalla modella stessa, che si mostra senza alcun complesso agli occhi del pittore che la dipinge e del pubblico che la guarda nella piena verità del suo essere donna e non un nudo classico copiato da qualche gesso d’Accademia con aggiunta di un po' di colore. Primo Conti (Firenze, 1900-Fiesole, 1988), che oltre che pittore fu anche compositore, è stato il Mozart della pittura italiana del ‘900, nel senso che manifestò il suo grande talento già “in calzoni corti” esponendo e facendosi notare già all’età di 11 anni, anche se crudelmente si potrebbe dire che non ebbe in sorte, come Mozart, di lasciare al culmine della sua arte questo mondo. Il “nudo di ballerina dormiente”, esposto con grande successo alla XVa Biennale di Venezia del 1926, rappresenta uno dei risulatati più alti della sua pittura per capacità d’impatto, bravura di composizione, preziosità di colore e di materia. Quella che potrebbe essere solo una foto “cochonne”, di qualche aspirante divetta del muto, con i capelli alla bebè e un neo dipinto, raggiunge le dimensioni di un nudo tizianesco destinato a un re di Spagna, quello di una Venere infantilmente imbronciata nel sonno, che le sonore sferzature delle pennellate che la circondano – il rosso fiammante di un copriletto, il blu cupo di una tenda – non sono ancora riuscite a svegliare. Nino Bertoletti (Roma, 1889-1971), oggi più noto come marito della sua modella Pasquarosa che gli divenne moglie e pittrice di talento, è stato in realtà pittore delicatissimo e poetico, uomo colto e aggiornato, amico di De Chirico e Luigi Pirandello, la cui reputazione ingiustamente soffre per la scarsa presenza di opere sue nei musei pubblici. Con “Sogno” del 1936, esposto alla XXa Biennale di Venezia, egli avventura la sua fantasia in un realismo magico che sfiora l’effetto surreale. Una giovinetta ancora acerba addormentata su una coltre stesa sul pavimento vola alta in un cielo fioccante di nuvole che potrebbe essere tanto d’alba che di crepuscolo, mentre sotto di lei rimpicciolito scorre un paesaggio deserto quasi metafisico. Potrebbe essere proprio lei una personificazione dell’alba che stenta svegliarsi, come in una allegoria del Seicento dipinta da Magritte. Gli Artisti dell’Eur alla Galleria del Laocoonte. Sono passati 80 anni dalla data in cui si sarebbe dovuta tenere l’Esposizione Universale di Roma del 1942, per la quale fu creata quell’utopia urbanistica che è l’Eur di cui la Nuvola è certo l’ultimo postumo omaggio d’architettura visionaria. La Galleria del Laocoonte, per gusto, e un po' per polemica antimodernistica, ma non per nostalgia politica, ha sempre preferito, nelle sue scelte artistiche, opere moderne che rammentino la tradizione artistica italiana legata all’antico esempio della classicità: da Sironi a Funi, da Cambellotti e Severini fino ad arrivare a Savinio, a Leoncillo, e ultimamente a Clerici ed Eugen Berman. Perciò in omaggio agli 80 anni dell’Eur un’intera parete dello stand della Galleria sarà dedicata agli artisti che vi lavorarono esponendo i disegni preparatori per i mosaici della Fontana Luminosa presso il Palazzo degli Uffici: l’intera serie, dedicata alle allegorie del “Mare Nostrum”, di Giovanni Guerrini (Imola, 1887-Roma, 1972), pittore e geniale inventore, come architetto, del Colosseo Quadrato. Influenzati dai mosaici bianchi e neri scoperti negli scavi di Ostia sono anche alcuni bozzetti di Gino Severini per la stessa opera. Di Giorgio Quaroni è invece un primo disegno preparatorio per l’affresco della “Fondazione di Roma” per la sala delle Riunioni dello stesso Palazzo. Oltre a questi saranno esposti disegni e bozzetti per il Foro Italico di Gino Severini e di Achille Capizzano (Rende, 1907-Roma, 1951) talentuoso e sfortunato artista calabrese. Un ulteriore omaggio all’Eur sarà la presenza dei bozzetti, di Publio Morbiducci, di due dei quattro cavalli componenti la Quadriga di bronzo che avrebbe dovuto sormontare la mensola sulla facciata del Palazzo dei Congressi. La commissione fu scippata al timido ma elegante Morbiducci dal più giovane e impetuoso Francesco Messina, che arrivò a terminare i gessi finali dell’opera che però non fu mai gettata in bronzo per trover posto in facciata. I bronzi furono realizzati solo molti anni dopo per la villa Le Rughe del presidente della Repubblica Giovanni Leone. In mostra la Galleria del Laocoonte presenterà i modelletti in bronzo per la Quadrica di Francesco Messina, originali del 1941. A questi si uniscono due studi in bronzo, con Romolo e Remo ognuno accompagnato da un cavallo di Publio Morbiducci. Anche Achille Funi lavorò all’EUR. Di questo grande artista e frescante instancabile viene presentata la grande tela Venere Latina, del 1930, oltre ad alcuni disegni di nudi maschili, ed altri di Publio Morbiducci che lavorò alla realizzazione delle colossali statue di atleti per il Foro Italico. Per finire, come postumo controcanto ai cavalli per l’E42 si espone “Pro-Menade” di Fabrizio Clerici, grande dittico in due tele in una delle quali irrompe, rosso come se fosse arroventato, il cavallo di bronzo di Capo dell’Artemisio, ora al Museo Archeologico d’Atene. Sono inoltre esposti disegni di Eugen Berman (S.Pietroburgo, 1899-Roma, 1972), ebreo russo che fu parigino, newyorkese, hollywoodiano, ma che volle finire la sua vita a Roma, a Palazzo Doria-Pamphilj, in mezzo alle sue collezioni d’archeologia da cui traeva ad un tempo conforto e ispirazione per i suoi fantasiosi e sognanti disegni. Di Duilio Cambellotti (Roma, 1876-1960) – di cui la Galleria del Laocoonte possiede molte opere – sono esposte una grande tempera per il manifesto dell’Orestea, un’altra che raffigura la pena delle Danaidi ed infine un paesaggio innevato della Sila, realizzato per la ferrovia locale. Ancora una scultura, scolpita nel peperino degli etruschi, che ritrae Esmeralda Ruspoli (Roma, 1928- Lipari, 1988), da bambina, come un’artista di circo del periodo rosa di Picasso con scimmiette al seguito, deliziosa e un po’ enigmatica opera di Andrea Spadini (Roma, 1912-1983), grande scultore e ceramista – a cui si deve tra l’altro l’orologio musicale allo zoo di Central Park e la decorazione del tetrino della villa di Alberto Sordi -della cui opera, con una grande mostra nel 2019, la Galleria del Laocoonte ha riproposto la funambolica e incantevole virtuosità artistica.

Fine Arts Paris 2022

Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze

BRAFA ART FAIR Bruxelles 19-26 Juin 2022

La Galleria W. Apolloni existe depuis trois générations et elle est l’une des plus anciennes galeries d’antiquités de Rome. Ouverte par Wladimiro en 1926 dans la Via Frattina, son fils Fabrizio a transféré la galerie dans la Via del Babuino, en 1970, occupant trois étages avec quatre vitrines sur la rue qui ont toujours prodigieusement attiré l’attention des passants. Après presque un demi-siècle, la galerie a été transferé à Via Margutta, au cœur de l’ancienne rue des artistes, dans les salles principales du Palazzo Patrizi, construit au milieu du XIXe siècle pour abriter des ateliers d’artistes et où Picasso a travaillé lors de son passage à Rome en 1917. Les grandes salles avec leurs hauts plafonds, jadis ateliers de sculpture, avec leurs hautes fenêtres, qui capturent la lumière du Nord, sont un espace d’exposition idéal pour les œuvres d’art ancienne.

Fabrizio Apolloni (1928-2006) a commencé à travailler en 1948 après la mort de son père, et a rapidement acquis une haute réputation non seulement en Italie, mais aussi en Angleterre, en France et aux États-Unis. Il était un grand ami et un conseiller de confiance pour des chercheurs et des grands collectionneurs tels que Mario Praz et Luigi Magnani. Dans la Fondazione Magnani de Parme, devenue musée, la Musa Tersicore d’Antonio Canova, le Hamlet avec le fantôme de son père d’Henri Füssli et la grande coupe en malachite offerte à Napoléon par Alexandre Ier de Russie figurent parmi les chefs-d’œuvre que Fabrizio a vendus au collectionneur.

Depuis 2006, le propriétaire est Marco Fabio, le fils de Fabrizio, qui a étudié au prestigieux Courtauld Institute de Londres. En 2012, il a fondé avec son épouse, Monica Cardarelli, la Galleria del Laocoonte, galerie dediée aux arts figuratifs du XXe siècle avec un intérêt particulier pour le dessin et la peinture. Le nom est lié à la présence dans la galerie d’une grande sculpture en marbre du Laocoon, une version maniériste du groupe classique, réalisée par le sculpteur florentin Vincenzo de’ Rossi (1525-1587), auteur des Travaux d’Hercule dans le Salone dei Cinquecento du Palazzo Vecchio.

Spécialiste du peintre Luigi Sabatelli et du grand dessinateur Alberto Martini, auxquels elle a consacré respectivement son mémoire de master en Histoire de l’Art (Sapienza Università di Roma) et son diplôme de spécialisation (Università degli Studi di Firenze), Monica Cardarelli a été curatrice de plusieurs expositions et publications consacrées aux œuvres sur papier: Pietro Gaudenzi. Gli affreschi perduti del Castello dei Cavalieri ai Rodi (Rome, 2015), Cartelloni e Copertine (Florence, 2015), Cartoni. Disegni Smisurati del ‘900 Italiano (Bologne, 2017), Io sono Cambellotti (Sabaudia, 2017), Leoncillo. Le Ceramiche. Le Carte (Rome, 2019), XX. Il Genere Femminile nel ‘900 Italiano (Florence, 2019), Publio Morbiducci. Nudi Maschili (Rome, 2020), Alberto Martini. Masks and Shadows (Rome-Londres 2021). Grâce à ces expositions, à la participation aux plus importantes foires nationales et internationales (Wopart, Brafa, Paris Fine Arts, London Art Week) et à la publication d’articles et de livres, la galerie vise à élargir et à enrichir la connaissance du public et la diffusion parmi les collectionneurs et les musées des œuvres d’artistes italiens de la première moitié du XXe siècle, une période de l’art italien moins connue que celle de son passé plus lointain ou de l’art contemporaine.

Depuis 2019, cette mission est également assurée par la Laocoon Gallery, ouverte par Marco Fabio Apolloni et Monica Cardarelli au cœur de St. James’s à Londres. Cette galerie a pour objectif de présenter au public anglais non seulement une sélection des meilleurs exemples de peintures, dessins, sculptures, objets d’art et meubles anciens de haute qualité, mais aussi des œuvres de certains des plus importants artistes italiens du XXe siècle.

Salon du Dessin, Paris. 18-23 maggio 2022

Salon du Dessin, Paris. 18-23 maggio 2022

 

La Galleria W. Apolloni existe depuis trois générations et elle est l’une des plus anciennes galeries d’antiquités de Rome. Ouverte par Wladimiro en 1926 dans la Via Frattina, son fils Fabrizio a transféré la galerie dans la Via del Babuino, en 1970, occupant trois étages avec quatre vitrines sur la rue qui ont toujours attiré l’attention des passants. Après presque un demi-siècle, la galerie a déménagé à Via Margutta, au cœur de l’ancienne rue des artistes, dans les salles principales du Palazzo Patrizi, construit au milieu du XIXe siècle pour abriter des ateliers d’artistes et où Picasso a travaillé lors de son passage à Rome en 1917. Les salles spacieuses avec leurs hauts plafonds, jadis ateliers de sculpture, avec leurs hautes fenêtres sont un espace d’exposition idéal pour les œuvres d’art ancienne.

 

Fabrizio Apolloni (1928-2006) a commencé à travailler en 1948 après la mort de son père, et a rapidement acquis une réputation respectable non seulement en Italie, mais aussi en Angleterre, en France et aux États-Unis. Il était un grand ami et un conseiller de confiance pour des chercheurs et des collectionneurs tels que Mario Praz et Luigi Magnani. Dans la Fondazione Magnani de Parme, devenue musée, la Musa Tersicore d’Antonio Canova, le Hamlet avec le fantôme de son père d’Henri Füssli et la grande coupe en malachite offerte à Napoléon par Alexandre Ier de Russie figurent parmi les chefs-d’œuvre que Fabrizio a vendus au collectionneur.

 

Depuis 2006, le propriétaire est Marco Fabio, le fils de Fabrizio, qui a étudié au prestigieux Courtauld Institute de Londres. En 2012, il a fondé avec son épouse, Monica Cardarelli, la Galleria del Laocoonte, galerie dediée aux arts figuratifs du XXe siècle avec un intérêt particulier pour les arts graphiques. Le nom est lié à la présence dans la galerie d’une grande sculpture en marbre du Laocoon, une version maniériste du groupe classique réalisée par le sculpteur florentin Vincenzo de’ Rossi (1525-1587), auteur des Travaux d’Hercule dans le Salone dei Cinquecento du Palazzo Vecchio.

 

Spécialiste de Luigi Sabatelli et de l’illustrateur Alberto Martini, auxquels elle a consacré respectivement son mémoire de master en Histoire de l’Art (Sapienza Università di Roma) et son diplôme de spécialisation (Università degli Studi di Firenze), Monica Cardarelli a été curatrice de plusieurs expositions et publications consacrées aux œuvres sur papier: Pietro Gaudenzi. Gli affreschi perduti del Castello dei Cavalieri ai Rodi (Rome, 2015), Cartelloni e Copertine (Florence, 2015), Cartoni. Disegni Smisurati del ‘900 Italiano (Bologne, 2017), Io sono Cambellotti (Sabaudia, 2017), Leoncillo. Le Ceramiche. Le Carte (Rome, 2019), XX. Il Genere Femminile nel ‘900 Italiano (Florence, 2019), Publio Morbiducci. Nudi Maschili (Rome, 2020), Alberto Martini. Masks and Shadows (Rome-Londres 2021). Grâce à ces expositions, à la participation aux plus importantes foires nationales et internationales (Wopart, Brafa, Paris Fine Arts, London Art Week) et à la publication d’articles et de livres, la galerie vise à élargir et à enrichir la connaissance du public et la diffusion parmi les collectionneurs et les musées des œuvres d’artistes italiens de la première moitié du XXe siècle, une période de l’art italien moins connue que celle de son passé plus lointain ou de l’art contemporaine.

 

Depuis 2019, cette mission est également assurée par la Laocoon Gallery, ouverte par Marco Fabio Apolloni et Monica Cardarelli au cœur de St. James’s à Londres. Cette galerie a pour objectif de présenter au public anglais non seulement une sélection des meilleurs exemples de peintures, dessins, sculptures, objets d’art et meubles anciens de haute qualité, mais aussi des œuvres de certains des plus importants artistes italiens du XXe siècle.

 

La participation à l’édition 2022 du Salon du Dessin leur donne l’occasion d’exprimer l’attention qu’ils ont toujours portée au dessin et aux arts graphiques. Animé par cette grande passion, le couple a ouvert il y a un an à Rome, à côté de la galerie de Via Margutta, un espace dédié uniquement à l’exposition de leurs œuvres sur papier, un véritable cabinet de dessin.

 

Depuis les années 1960, Fabrizio Apolloni a régulièrement organisé des expositions consacrées aux dessins anciens et modernes (Klimt, Schiele, Grosz). Parmi les catalogues publiés on peut citer La Mano Italiana 1 e 2, et A soggetto Romano où ont été rassemblé des dessins d’artistes italiens et de toute l’Europe qui ont visité et ont laissé sur papier leurs études et impressions de leur séjour dans la Ville Éternelle.

Fine Arts Paris, Carrousel du Louvre, 6-11 Novembre 2021

Fine Arts Paris, Carrousel du Louvre, 6-11 Novembre 2021

Created in 2017 by the organizers of the Salon du dessin, Fine Arts Paris is a specialty fair for collectors based on the balance of diversity, quality and modernity. After three editions acclaimed by critics, this Parisian event is an unmissable event in the art market.

The galleries and organizers of Fine Arts Paris invite you to the next edition, of Fine Arts Paris : November 6-11, 2021, at the Carrousel du Louvre.

Visit Online: finearts-paris-online.com

Portrait of Napoleon’s uncle Joseph Fesch

The present work is based on the Portrait of Napoleon’s uncle Joseph Fesch (Ajaccio 1763 – Rome 1839), the greatest antique painting collector of his times. It was commissioned to Antonio Canova in 1807 and finished a year later (Marble, Ajaccio Musée Fesch. Plaster model in Possagno, Gipsoteca.). Differently from Canova’s original our marble bust is more hieratic, fixed in a frontal pose and portrays Cardinal Fesch at a later age, as the notable embompoint of his face, comparable to that which can be seen in later painted portraits of Fesch, clearly testifies.

The sculpture, mentioned by G. Hubert in 1964 (La Sculpture dans l’Italie Napoléonienne.) was then owned by an antique dealer in Nice, where it was bought by Fabrizio Apolloni in the early 70’s for his own collection.

The bust is the work of Antonio d’Este (Venice 1754-Rome 1839), the close friend and director of Canova’s workshop in Rome, who helped him also in his role of overseer of Rome’s papal museums.

Antonio d’Este specialised especially in the production of portraits, like that of Canova himself, Pius VII, and many others for which he could produce a second best likeness when Canova’s own divine touch was not available.

The work is in perfect conditions and has kept the rare original patina that gives to the surface of the marble an appearance of softness much in contrast with the rigid official pose of the sitter.

Ancient and Modern Classicism in Italy, London Art Week 2020

Brafa Art Fair, Brussels, dal 26 Gennaio al 2 Febbraio 2020

Flashback, dal 31 Ottobre al 3 Novembre 2019

GrandArt 2019, Galleria del Laocoonte, Stand 37

London Art Week 2019, Leoncillo, Disegni e Sculture

WOPART 2018: Clerici, omaggio a Savinio

ArteFiera Bologna 2016

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ArtVerona 2015

ArtVerona 2015

11a edizione – dal 16 al 19 ottobre 2015

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ArteFiera Bologna 2015